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The Twilight Saga: Eclipse

admin — Sat, 03 Jul 2010 10:43:51 +0000

Una serie di omicidi, sparizioni e misteriose disgrazie scuote Seattle e minaccia Forks. I Cullen comprendono in fretta che si tratta di un esercito di NeoNati della loro specie: vampiri da poco trasformati, assetati di sangue, violenti e indomabili. Mentre si domanda chi abbia voluto tutto questo e perché, Bella deve anche fronteggiare l’imminenza del diploma e soprattutto della scelta che ha fatto, una scelta irreversibile, decisa per amore di Edward ma osteggiata dal suo migliore amico, Jacob, che ha promesso di lottare fino all’ultimo per farle cambiare idea. La minaccia esterna impone un’alleanza tra vampiri e licantropi, ma della guerra interna al cuore di Bella può decidere solo lei.
È il turno di David Slade. Il britannico entra sulla scena della saga-fenomeno di Twilight con passo sicuro e un teaser d’effetto. Promette azione, brivido, batticuore, al passo con un terzo capitolo denso, che sul fronte cartaceo ha fatto incetta di consensi e che del crepuscolo illumina il lato umano, non quello delle creature che si risvegliano col buio ma quello dell’addio al calore del sole (Bella infatti “saluta” la madre e il padre, in alcune prove di commiato che il film gestisce con buon tatto). Eppure, nonostante le dichiarazioni della sceneggiatrice Melissa Rosenberg, che dice di essersi trovata a dover caricare la prima parte poiché il libro concentrava l’azione solo in vista dell’epilogo, il film – quasi a ragione, poiché il cinema non può e non dev’essere letteratura teletrasportata – mostra in apertura di possedere delle buone carte salvo poi spenderle sbrigativamente, a chiusura di un remunerativo compitino da assolvere con sufficienza.
Non è questione di direzione degli attori, ma i personaggi si sono fossilizzati, quasi involuti: che pena le scene nella radura, tra i fiorellini, che magra apparizione quella dei Volturi. Qualcosa continua a far ridere, come la reticenza sessuale di Edward e la squadra di lotta libera a torso nudo di Jacob e sodali; qualcosa pecca platealmente di giovanilismo (la notte nella tenda, rubata alla fantasia di una tredicenne), qualcos’altro sa invece di stantio, come le back-stories di Jasper e Rosalie in salsa western e gangster-movie, facili incursioni nel repertorio.
È il problema del pacchetto nell’insieme, che al di là del vegetarianesimo dei protagonisti e del loro luccicare sovrannaturale, non trova un vero scarto e si lascia sorpassare allegramente dalle variazioni televisive sul tema, ma è anche un problema interno a Eclipse , che ha il merito di lasciarsi indietro la tappa zoppa di New Moon, ma in fondo abbaia e non morde.

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Lei è troppo per me

admin — Sun, 20 Jun 2010 22:01:40 +0000

Kirk Kettner è un ragazzo esile e impacciato, impiegato come agente della sicurezza in aeroporto. Esperto nel gestire l’ordine sul lavoro è un vero disastro nella vita privata, dove è piantato da una fidanzata petulante. Convinto di essere destinato a una vita senza amore, è folgorato al checkpoint da Molly, bella, bionda e decisa a dire sì proprio a lui. Salvata dalle attenzioni moleste del suo capo, Molly resta folgorata dalla gentilezza di Kirk e decide di dargli un appuntamento. Una partita di hockey e una cena romantica dopo, i due ragazzi si innamorano tra lo stupore di amici e familiari, che credono improbabile l’unione di bellezza e ordinarietà. Tra alti e bassi, tra voli da prendere e voli da perdere, Kirk e Molly vinceranno perplessità e scetticismi, facendo strike degli ostacoli.
Opera prima di Jim Field Smith, Lei è troppo per me è una commedia sentimentale che riflette sul pregiudizio indotto dalla bellezza o dall’esserne privi. I due protagonisti incarnano sullo schermo la bella e il nerd, condizioni esistenziali contrarie (eppure scopriremo compatibili) che subiscono nel film lo stesso trattamento. Il felice debutto del regista inglese chiamato alla corte di Hollywood lavora sull’accoglienza riservata dal mondo a coloro che sono ordinari o straordinari. Kirk è il ragazzo più mite e pavido del mondo che porta con gravità l’impegno di una faccia indifferente e di un profilo debole, Molly è una giovane donna raffinata che infonde nella pienezza greve della carne una candida levità. Per caso o per azzardo si incontrano in un non luogo, l’aeroporto in cui è occupato lui, e si piacciono contro ogni convenzione, che vuole il nerd introverso e misantropo e la pupa preda d’elezione del ragazzone di turno.
Di fatto, secondo inflessibile clichè di genere, Kirk e Molly impersonano la coppia che non può stare insieme. Nell’eccezione, che contravviene la regola fissata dalla romantic comedy, sta allora l’eccezionalità di questo film che lavora per innamorare le parti altrove destinate a ignorarsi. Per confrontare credibilmente i due mondi, Kirk dovrà necessariamente scoprire di essere più attraente di quanto abbia mai stimato e Molly di essere meno perfetta di quanto sia mai stata giudicata. La ricerca della misura e il tentativo degli amanti di pareggiare lo svantaggio o di accorciare il vantaggio producono da una parte una commedia improntata sulla relazione ideale e dall’altra una comicità bassamente corporale, che sembra omaggiare il cinema politically uncorrect dei fratelli Farrelly.
Alla fine in Lei è troppo per me sarà però la commedia a soppiantare il comico. Kirk si assumerà la responsabilità della crescita superando la condizione infantile di eterno nerd single. E reprimendo la sua prossima erezione volerà con la sua bionda verso il più rosso dei tramonti.

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5 appuntamenti per farla innamorare

admin — Sun, 20 Jun 2010 21:59:22 +0000

Genevieve è una fioraia con un piccolo negozio a Manhattan che gestisce con la collaborazione di due amici gay. Tutto sembra procedere per il meglio per lei anche perché nei rapporti con l’altro sesso si è data una regola precisa che suggerisce anche alle amiche. In una relazione non bisogna mai superare i 5 appuntamenti (ognuno dei quali con una caratteristica precisa). Subito dopo bisogna trasformare il tutto in una buona amicizia. Peccato però che a farle nascere più di un dubbio su questa scelta di vita ci pensi Greg che ha appena aperto un Tapas Bar lì vicino. Greg è single, piacevole e fa fatica a capire le donne.
Tante volte ce la prendiamo con la distribuzione dei film nelle sale incolpandola di scegliere i tempi sbagliati per le uscite. In questo caso potremmo chiederci perché un film con la coppia vincente di Il mio grosso grasso matrimonio greco (Nia Vardalos, John Corbett) per di più diretto da lei e con un titolo originale che suona come “Io odio il giorno di San Valentino” non sia uscito a febbraio. Una ragione c’è. Perché questa pretende di essere una commedia romantica che sfrutta il richiamo di due attori che hanno avuto un inaspettato successo che invece assomiglia tanto a una situation comedy con qualche uscita in esterni.
Se osservate la struttura vedrete che alterna dialoghi non proprio brevi con un pizzico di movimento per poi tornare a ‘sedersi’. I temi sono soliti e prevedibili (ivi compresi i gay che si occupano di fiori). Quello che lo è meno è il sorriso (con qualche lieve traccia di malinconia) perennemente stampato sul volto della Vardalos. Un pregio evidente però il film ce l’ha e gli va riconosciuto: non è troppo lungo.

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Un bacio romantico – My blueberry nights

valentinax — Sun, 20 Jun 2010 18:51:58 +0000

Contenuto: Dopo la dolorosa rottura di una relazione, Elizabeth (la cantante Norah Jones al debutto cinematografico) parte per un viaggio attraverso l’America. Si lascia alle spalle un bagaglio di ricordi, un sogno e un nuovo amico (il proprietario di un caffè interpretato da Jude Law) e va in cerca di una cura per il suo cuore spezzato. Durante il viaggio, Elizabeth lavora come cameriera e fa amicizia con diversi clienti – fra i quali un poliziotto tormentato (David Strathairn) e sua moglie che l’ha lasciato (Rachel Weisz), e una sfortunata giocatrice d’azzardo (Natalie Portman) con un grosso debito da saldare. Attraverso questi nuovi incontri Elizabeth arriva a conoscere i veri abissi della solitudine e dell’infelicità umana e capisce che il viaggio rappresenta solo l’inizio di una completa esplorazione del proprio io.

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Primi baci – Quando l’amore fa sognare

valentinax — Sun, 20 Jun 2010 18:48:23 +0000

Nicole (Jasmin Schwiers)una ragazza molto insicura e paurosa, una sera in discoteca, nota un ragazzo molto simpatico e affascinante, di cui però non conosce il nome; cerca di avvicinarlo ma senza successo. Il giorno dopo scopre che è un suo nuovo compagno di classe di nome Daniel (Florian Jahr), e da subito il professore lo sistemerà vicino a lei. Ma sua madre Sonja (Andrea) tenta in tutti i modi di ostacolare la sua relazione con il ragazzo, iniziata da poco mentre studiavano insieme. Solo alla fine Sonja capirà che Daniel è diverso da tutti gli altri ragazzi e non ha mai cercato di tradire o ferire in alcun modo Nicole e darà così il permesso alla figlia di frequentarlo.

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Bright Star

admin — Sun, 13 Jun 2010 13:21:20 +0000

1818. Il ventitreenne John Keats e la sua vicina di casa Fanny Brawne si conoscono, grazie all’interesse della ragazza per le sue poesie, si frequentano, si scrivono, si fidanzano, nonostante le condizioni economiche disperate del poeta. Minato dalla tubercolosi, Keats si vede costretto a partire per l’Italia, dove il clima è migliore e dove troverà la morte, nel febbraio del 1821.
Bright Star racconta l’inabissamento amoroso sottolineandone il parallelo con la dissoluzione fisica del poeta, ma sceglie il punto di vista di Fanny Brawne per narrare innanzitutto un nuovo personaggio femminile, la cui esuberanza intellettuale è mitigata da una crudele coscienza di ciò che le sta accadendo e si risolve in un’accettazione che è remotissimo eco di quella che fu di Isabel Archer, la stella più luminosa del firmamento di Jane Campion.
Lungi dall’essere un pretesto per evitare la formula più comune di biopic, perciò, l’adozione dello sguardo di Fanny, che incontra Keats subito dopo la pubblicazione di Endymion e lo perde dopo avergli ispirato le liriche che lo faranno amare dal mondo, è il modo in cui la regista, col sorrisetto sulle labbra, riflette sul potere creativo del sentimento amoroso. Instaurando un triangolo tra Keats, l’amico Brown, che lo vorrebbe al riparo dall’influenza femminile, protetto dai classici, e Fanny, che ad ogni apparizione distrae e confonde, la Campion racconta come l’infiltrarsi di una musa, con tutti i limiti del suo agire, nel mondo libero e ozioso degli uomini abbia strappato Keats all’accademia e permesso l’estensione del romanticismo al di là della pagina, nella vita, e dunque, per affinità di cose, nel cinema.
Tra gli interstizi di un rituale quotidiano allegramente rigido, fatto di lezioni di danza nel salotto di casa, di passeggiate e danze e ruoli precisi, tra le mura stesse della casa, dove regna l’ordine e la cura, irrompe la vertigine che il poeta domanda e suscita; il desiderio di un per sempre, che nella vicenda di Keats passa dal verbo alla carne e trova l’eternità.
Quando si àncora alla normalità dello scambio amoroso, quando si affida ad Abbie Cornish e alla credibilità della sua interpretazione, il film si toglie il costume e tocca i suoi vertici, ma la tentazione di obbedire alla richiesta di confezionare “a thing of beauty” è spesso irresistibile e talvolta lo affonda nella maniera.

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Io sono l’amore

admin — Sat, 12 Jun 2010 15:46:12 +0000

Emma è la moglie “straniera” e composta di Tancredi Recchi, influente esponente dell’alta borghesia industriale lombarda. Sposati senza amore, Emma e Tancredi vivono tra agi e ipocrisie in una grande villa nel cuore di Milano insieme ai loro tre figli: Elisabetta, Edoardo e Gianluca. Prossimo al padre per cinismo e concretezza, Gianluca si distingue dai suoi fratelli, sensibili e idealisti come Emma, che veglia amorevole sulla loro felicità precaria. Edoardo, orgoglio della madre, delude invece le aspettative del padre ripiegando sulla gestione di un ristorante bucolico in società con Antonio, un giovane chef di talento e di bassa estrazione sociale. L’ingresso in scena di Antonio sovvertirà equilibri e destini con la forza e la “portata” dell’amore.
L’orrore di molto cinema italiano sta nel mettere frequentemente in scena la borghesia come unica depositaria dell’umano: middle class compiaciuta e paga di sé. Correva questo rischio Io sono l’amore di Luca Guadagnino, invece, pur partendo da quell’angolo limitato di osservazione e attraverso le vicende umane e professionali di una famiglia di industriali milanesi, racconta la borghesia senza assolverla.
Con “cento colpi di spazzola” e con la regalità diafana di Tilda Swinton, il regista palermitano licenzia adolescenti pruriginosi e prove di immaturità, muovendosi con proprietà estetica ed eleganza formale nella Milano decadente degli dei caduti di Visconti. Peccando di intenzionale manierismo, Guadagnino guarda all’universo truccato delle classi privilegiate e segue le vicende umane di un gruppo di famiglia in un interno milanese, “raffreddato” dalla neve e dalle ipocrisie affettive che governano i Recchi e riempiono le loro stanze sovraccariche e opulenti.
Dentro una villa che congela e impedisce sentimenti e movimenti del cuore, entra impetuosamente colui che “è l’amore”, colui che porta con sé, per nascita e per vocazione, il principio di natura, la fiamma e gli ingredienti in grado di recuperarli all’emozione. Soltanto Edoardo e l’esotica ed estraniata padrona di casa risponderanno a quel richiamo, spostandosi emotivamente e fisicamente lontano da Milano. Su una piana ligure sopra il mare di Sanremo, Edoardo sperimenta l’amicizia ed Emma il vero amore, riacquistando la sua identità nazionale svenduta per una nuova e innaturale posizione sociale.
Tilda Swinton, abbagliante e (co)stretta negli abiti borghesi, è ancora una volta musa sensibile dell’autore che, con un preciso sezionamento del corpo, scompone la sua bellezza in dettagli, lasciando intatta la resa unitaria della figura altera e intera e cogliendo particolari significanti (accessori e novakiane acconciature a spirale) di un personaggio ridestato all’amore.

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La fontana dell’amore

admin — Sat, 12 Jun 2010 11:49:29 +0000

Beth è una giovane donna in carriera che si occupa d’arte e lavora al Guggenheim Museum. I suoi rapporti con l’altro sesso non sono die migliori fino a quando arriva a Roma. La sorella ha deciso di sposarsi con un italiano e lei assiste al matrimonio dove viene attratta dalla presenza di Nick. Al termine dei festeggiamenti Beth, un po’ su di giri, vede Nick con un’altra donna e sconsolata sottrae delle monete da una fontana. Non sa che la tradizione vuole che chi lanciò quelle monete nell’acqua fatalmente la cercherà essendosi perdutamente innamorato di lei. Tornata a New York la ragazza dovrà sfuggire a numerosi e strambi pretendenti.
Non pensate, per favore, a Tre soldi nella fontana né, tantomeno, a Vacanze romane. Quei modelli sono inarrivabili per un filmetto ‘estivo’ che vede la presenza di un Danny DeVito sempre più macchietta da avanspettacolo e di una Anjelica Huston rigida come il personaggio che interpretava in Chi ha paura delle streghe.
Ci sono voluti i due sceneggiatori di Daddy Sitter per partorire questa sequela di gags in cui la risata latita e la romantic comedy pure. I due si mostrano ormai assolutamente dedicati al compito di scrivere banalità al servizio di vecchie glorie e di nuove star come Kristen Bell il cui agente deve essere poco attento ai copioni che approva.In tutto questo non mancano però gli stereotipi. Se un giorno qualcuno volesse creare una compilation di scene di film su come ci vedono gli americani (nella quale neanche Woody Allen sfuggirebbe al luogo comune utilizzato per la Venezia di Tutti dicono I Love You) non potrebbe escludere La fontana dell’amore. Perché anche se il matrimonio si svolge nell’Urbe alla festa si balla la tarantella, si deve spaccare un vaso in segno augurale ecc. ecc. Cioè l’Italia come la immagina chi non si è mai mosso dalla sua country farm.

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Manolete – Fra mito e passione

admin — Thu, 10 Jun 2010 00:04:31 +0000

Manuel Rodríguez, meglio conosciuto come “Manolete”, è un famosissimo torero. E’ un uomo timido, austero, di poche parole e dall’aspetto desolatamente triste; durante la stagione delle corride Manolete viaggia costantemente, passando di arena in arena. Lupe Sino, invece, è una donna bellissima, schietta, orgogliosa, sensibile e con un passato turbolento alle spalle. Prima che si innamorasse di lei, il torero aveva un solo obbiettivo: diventare famoso. Grazie a Lupe, Manolete sembra aver trovato un nuovo scopo nella vita, ma un’ombra incombe sui due amanti. Manolete è innamorato della morte mentre Lupe è innamorata della vita. Lupe insegna al matador ad amare la vita e, allo stesso tempo, a temere la morte.

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Quando tutto cambia

admin — Thu, 06 May 2010 14:10:06 +0000

April Epner ha 39 anni, è insegnante e si sta sposando con rito ebraico con un amcio d’infanzia, Ben. Circa un anno dopo la ritroviamo in crisi totale. I suoi tentativi di avere un figlio non hanno avuto successo. Ben, un adolescente mai cresciuto, non regge alla pressione e lascia, non senza avere fatto per l’ultima volta l’amore con lei. La madre adottiva muore. Proprio allora decide di venire allo scoperto la madre naturale Bernice, conduttrice televisiva di un talk show. In questo marasma di emozioni Epner sembra trovare conforto in Frank, divorziato di recente e con due figli uno dei quali va a scuola dalla protagonista. ‘Sembra’ trovare conforto perché un’altra problematica novità è in arrivo…
Per Helen Hunt davvero è cambiato molto in questi ultimi anni. Da una, in parte volontaria, scomparsa dal grande schermo al ritorno come regista al suo esordio e, al contempo, protagonista. Come al solito la titolazione italiana gioca sul fatto che il grande pubblico più adulto ha fatto in passato la prima vera conoscenza con lei grazie a Qualcosa è cambiato in cui doveva vedersela con il più che mai imprevedibile Jack Nicholson.
Da allora molto tempo è passato ma l’attrice californiana continua a sentirsi a suo agio con personaggi femminili che avvertono il peso del tempo che passa e sono afflitti da più o meno leggeri sensi di disagio. È quanto accade ad April che si vede succedere intorno nella prima parte del film tali e tanti eventi da far temere il rischio soap opera. Ma la Hunt sa controllare la sceneggiatura così come gli attori riuscendo a domare perfino Bette Midler alla quale conferisce quel tanto di calore e umanità che altri registi non hanno saputo valorizzare.
Intendiamoci, Quando tutto cambia non è un capolavoro ma riesce a trovare i toni giusti per raccontare quel bisogno di maternità e di sicurezza che tanto altro cinema trascura perché non ‘vende’. Lo fa con l’attenzione per quei ‘workers’ che ancora esistono anche se sono sempre meno protagonisti. Così diventa tenero l’imbarazzo di April quando, invitata da Bernice in un ristorante di lusso e recatasi alla toilette vede le mance lasciate da chi l’ha preceduta. Lei mette una moneta nel cestino e si giustifica “Sono un’insegnante”. Le insegnanti (made in Usa e non) capiscono.

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