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Michael Jackson’s This Is It

admin — Tue, 29 Dec 2009 13:18:57 +0000

Michael Jackson muore in scena come in un dramma shakespeariano. Suicidio, overdose, arresto cardiaco? Il sesso, le (presunte) molestie, la fama. C’è tutto, come in un film hollywoodiano. C’è una grande villa, una stanza piena di indizi, un corpo nudo sul letto, la polizia che indaga, la folla che spinge fuori e oltre i nastri, l’autopsia, le (inverosimili) ipotesi del decesso, le esequie, quelle pubbliche e quelle private. Muore così il 25 giugno a Los Angeles e a un mese dal suo concerto londinese, Michael Jackson, Re del Pop, che resisteva al tempo danzando. Ma il sadismo della stampa e dello spettatore vuole sopra ogni cosa che il morto resti in scena a ciondolare sul patibolo mediatico, senza il conforto di potersene mai davvero andare via. Corpo conteso, eredità (artistica e sostanziale) reclamata, immagine contestata, l’artista dell’Indiana non trova pace, ostinatamente e barbaramente esposto alla luce del racconto. La sua vita e la sua morte vengono catturate e imbrigliate dentro una cronaca volgare e indecente. Poi arriva in sala Michael Jackson’s – This is it di Kenny Ortega, si spengono le luci e inizia un altro film che potrete (e dovete) vedere in tutte le sale del mondo per quindici giorni. Poi verrà annullato, come un concerto in un giorno mesto di pioggia.
Diretto e prodotto da Ortega con il supporto della Fondazione Michael Jackson, il documentario pop del regista californiano è uno sguardo privato sul concerto che avrebbe, ci potete giurare, rivoluzionato l’arte dello stare in scena. Declinando l’approccio biografico, le interviste, gli sballi, le strade percorse o i negozi visitati, l’autore mette ai nastri di partenza una lucida, tirata e micidiale macchina del pop che si chiama(va) Michael Jackson, regalando ai suoi spettatori quello che sarebbe stato l’ultimo tour dell’artista e offrendogli un punto di vista (im)possibile su tutte le prove provate, sofferte, sudate. Non appena Michael entra sulla scena, in giacca in silver e simultaneamente nera, meraviglia del découpage, gli occhi si spalancano e l’anima si desta. Adesso esistono soltanto il gesto, il volto, il corpo, la musica, la parola, il tono, l’emozione. Come il suo man in the mirror, Jackson risponde con uno sguardo d’intesa alla sua immagine speculare.
Da Bad a Thriller, da Billie Jean a Go to be there, da Smooth Criminal a I just can’t stop loving you, M. J. si muove agile, esperto e sinuoso, battendo il tempo in un’esecuzione perfetta che provoca emozioni autentiche. Perché la bravura tecnica, come suggeriscono le coreografe addette alle selezioni dei ballerini che faranno corona intorno all’artista, non è sufficiente per concretizzare un sogno e raggiungere “la prima fila” nello show. Soltanto undici ballerini proveranno la singular sensation in costumi dorati e cilindro, soltanto la prima linea accompagnerà Jackson sul palco e ne sarà la sua osservante e reverente emanazione, moltiplicata all’infinito come negli specchi di Chorus Line e grazie alla magia del green screen. Dopo aver personalmente promosso gli elementi più meritevoli, l’artista avvia lo show, rigorosamente cronometrico e superbamente coreografico, costringendo la macchina da presa da creatrice dello spettacolo a spettatrice dell’esibizione.
Lo schermo diventa allora tutta una scoperta: M. J. allarga le braccia e muove le mani come un direttore d’orchestra in un teatro di marionette e di talenti, dentro uno spettacolo fondato sulla centralità della danza e di un artista in grado di avere vita sulla scena e di distruggere gli automatismi quotidiani del corpo, creando una diversa qualità di energia, visibile anche in situazioni di immobilità. Dietro l’impressione di facilità e naturalezza, lo spettatore scoprirà una mania di perfezionismo assoluta (“Le prove servono a questo”), sempre nobile, sempre garbata. Il momento più poetico è il virtuosistico assolo su Billie Jean, mentre ballerini e stelle stanno a guardare. Guardano espandersi il suo mito leggero e impalpabile, la dimensione espressiva della sua anima, la verità di un corpo che balla “ricomposto” (da Ortega) nel modo e nel luogo giusto. This is it. That is it.

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Motel Woodstock

admin — Sat, 05 Dec 2009 02:18:45 +0000

Elliot Theichberg lavora come arredatore al Greenwich Village ed è impegnato sul fronte del riconoscimento dei diritti degli omosessuali. Ha però un grosso problema perchè i suoi genitori Jake e Sonia (due ebrei fuggiti dall’Europa dell’Est) stanno per perdere, a causa dei debiti, il decrepito motel che gestiscono a Catskill. Le soluzioni non sembrano a portata di mano fino a quando giunge la notizia che gli organizzatori di un’importante manifestazione musicale si sono visti ritirare l’autorizzazione dalla municipalità di Wallkill. Elliot telefona, offre il motel come base e presenta il vicino proprietario di un terreno di 600 acri. I ‘mitici’ 3 giorni di Pace e Musica stanno per realizzarsi.
Ci sono film d’occasione che tali sono e tali rimangono. Si sfrutta cioè l’opportunità di un anniversario per tuffarsi nella rievocazione nostalgica o illustrativa di un evento. Ricorrendo i quarant’anni da quando ebbe luogo l’epocale concerto di Woodstock si poteva pensare che un Ang Lee in surplace avesse accettato di fare un film quasi su commissione. Non è affatto così. Quasi fosse tornato alle sue origini conosciute in Occidente (ricordate Banchetto di nozze?) il regista coglie l’occasione per rileggere da un punto di vista inusuale l’epopea di Woodstock non rinunciando a uno sguardo critico, anche se sorridente, nei confronti dell’istituzione familiare.
Woodstock ha rappresentato per lui gli ultimi momenti di innocenza di una civiltà che metteva piede sulla Luna ma stava affontando un futuro carico di incognite. Il raccontare il grande evento collettivo dal punto di vista di Elliot Tiber vuol dire scegliere lo sguardo di colui che ci vide un’opportunità personale ancor prima di rendersi conto del valore che quei tre giorni avrebbero finito con l’assumere per la cultura tout court. Tiber ha scritto con Tom Monte il libro “Taking Woodstock. A True Story of a Riot, A Concert and a Life” ed Ang Lee prende le mosse dalla sua testimonianza non per raccontare il concerto (lo ha già fatto con grande adesione Michael Wadleigh che aveva tra gli aiuti un ragazzo che si chiamava Martin Scorsese) ma per descrivere una società. Lo fa attraverso una moltitudine di personaggi e di figuranti ognuno dei quali finisce con il rappresentare una delle facce di quel prisma che erano gli Stati Uniti all’epoca.
Si sorride e si ride (grazie anche alla superba caratterizzazione di Imelda Staunton nei panni della taccagna e iperattiva madre di Elliot). Ma soprattutto si percepiscono la vitalità e l’energia di un universo giovanile che, nonostante il Vietnam o forse anche grazie a quell’orrore insensato, sentiva ancora il bisogno di credere in un’utopia pacifista che sembrava però traducibile in realtà. Ang Lee non ha alcuna intenzione di proporre una lettura acritica dell’epoca. Ecco allora che al seguito dell’ideatore trasgressivo simile a un Jim Morrison in versione hippie ci sono le limousine nere da cui escono manager in giacca e cravatta. Come afferma Woody Allen si chiama Show Business perchè senza il business non c’è lo show. Alla fine resta però la sensazione di un sipario calato su uomini e donne forse ingenui ma sicuramente sinceri nelle loro aspirazioni. Una tipologia di esseri umani di cui, nonostante tutti gli eccessi loro attribuibili, il mondo ha sempre bisogno.

Michael Jackson – Moonwalker

admin — Sun, 15 Nov 2009 14:01:06 +0000

Michael Jackson, che impersona sé stesso, deve proteggere tre suoi piccoli fan-amici – interpretati da Kellie Parker nella parte di Katie, Sean Lennon in quella di Sean e Brandon Adams nella parte di Zeke – da Mr. Big perfido e malvagio spacciatore (Joe Pesci) e dal suo esercito stile nazisti-incattiviti. Nonostante l’argomento socialmente impegnativo (la diffusione della droga nel mondo e soprattutto nel mondo dei bambini), il film ha momenti di grande comicità. Ad esempio il rifacimento “formato bambino” del mitico video di Bad, dove Michael Jackson è interpretato dal piccolo Zeke-Brandon Adams. Il film ha anche alti momenti di coreografia e scenografia come in Smooth Criminal dove l’ambientazione anni ‘30-gangster è rimasta nella storia della musica. All’interno del lungometraggio ci sono continui cambi di tecniche cinematografiche, dallo stop motion utilizzato per il videoclip di Speed Demon all’inizio del film (dove Michael per sfuggire a fan e paparazzi si traveste da coniglio, con evidenti riferimenti ai personaggi ed alle scenografie dei cartoni animati Warner Bros), alle riprese in esterno, le riprese in scenografie all’aperto negli studios e le riprese negli studios. La lotta tra il bene (Michael) e il male (Mr.Big-Joe Pesci) ha la sua apoteosi quando la star si trasforma in un’astronave-androide e sconfigge il nemico ristabilendo la serenità e la pace. Il messaggio del film è uno slogan contro la droga in generale, e contro lo sfruttamento dei bambini-spacciatori in particolare.

A Time for Dancing

admin — Wed, 11 Nov 2009 16:42:46 +0000

A Time for Dancing è un film del 2000 tratto dall’omonimo romanzo di Davida Wills Hurwin, ispirato a sua volta da una storia vera.
Jules (Larisa Oleynik) insieme alla sua amica del cuore Sam (Shiri Appleby) balla fin da quando era una bimba. Ed è proprio questo che vuole continuare a fare, ballare, e sopra ogni cosa entrare alla famosa Juilliard School di New York. Un talento innato, una ferrea disciplina, i precetti della sua insegnante di sempre e quelli dettati dal film Scarpette rosse sembrano aver segnato indelebilmente il cammino di Jules. Ma la sorte le riserva un destino inatteso e ben più tragico…

Fame – Saranno Famosi

admin — Sat, 07 Nov 2009 01:38:44 +0000

Alla High School of Performing Arts di New York cominciano le audizioni per selezionare i nuovi astri nascenti del mondo dello spettacolo. Nell’arco di quattro anni, questi giovani aspiranti cantanti, ballerini, attori e registi, imparano l’arte e danno libero sfogo ai loro talenti. Sognano il successo e condividono affetti e paure. Lottano contro le decisioni dei propri genitori e osservano brillare oppure estinguersi tutte le loro aspirazioni.
Sono passati trent’anni da quando Alan Parker, su sceneggiatura di Christopher Gore e musiche di Michael Gore, decise di infrangere i sogni aurei del musical americano in quel che restava delle inquietudini giovanili della New Hollywood e della realtà suburbana della New York descritta da Scorsese e Schlesinger. Trent’anni in cui quel processo di commercializzazione e capitalizzazione delle ambizioni artistiche avviatosi proprio negli anni del film, ha trovato pieno compimento rendendo l’ambizione alla fama quanto mai estesa e liquida. Il nuovo Fame – Saranno famosi aggiorna all’era dei baby divi e dei vari American Idol il culto del film di Alan Parker, non tenendo a mente che il brand ha sviluppato nel tempo una costellazione di ufficiali e ufficiose declinazioni verso il teatro, il serial e il reality.L’articolazione del film resta la stessa: scansione in cinque atti (le audizioni più i quattro anni di corso), ripartiti sommariamente fra il tempo dell’euforia e della spensieratezza dei primi anni e quello delle delusioni e del duro confronto con la realtà e i limiti del proprio talento del secondo biennio. Rimangono anche le canzoni più famose, come quella che da titolo al film e la struggente Out Here on My Own. Quel che cambia è l’operato del film. L’effetto di reale si adatta ai tempi e passa da una visione del multiculturalismo e della stratificazione sociale della New York a cavallo fra Seventies ed Eighties, a una New York spersonalizzata e ostaggio dell’universo del nuovo cinema hip hop (Save the Last Dance, Step Up). Anche i nuovi personaggi appaiono solo come un riciclo, un patchwork dei vari caratteri originali riorganizzati in modo casuale in “nuove” figure meno espressive, meno sfaccettate. Bambole esteticamente perfette e perciò apparentemente incapaci di sudare quanto gli sarebbe richiesto o di sporcare la loro innocenza. Difatti, perfino i drammi personali e le crude esperienze di vita si trasformano in questa nuova versione in capricci infantili, piccoli episodi che non lasciano tracce di sé. E se non lo fanno è soprattutto perché il giovane regista e coreografo Kevin Tancharoen si serve di un montaggio parallelo fra le storie dei ragazzi e le varie coreografie che il più delle volte non trova alcuna giustificazione se non quella di cercare di velocizzare la narrazione o di attenuare l’effetto drammatico di alcuni passi del percorso di formazione.
In proporzione, l’originale Fame di Alan Parker sta alla Coca Cola (di cui emula anche lo stile del logo), come il nuovo Fame sta alla Coca Light. Perso il sapore e l’effervescenza dei suoi protagonisti, Tancharoen si preoccupa unicamente di rimpiazzare quegli elementi più scabri come droga, violenza o omosessualità del film di Parker con qualche sfuocatura e qualche effetto di macchina a mano. Cioè, con l’estetica di un qualunque reality show danzerino di Mtv, cui da il suo contributo anche il doppiaggio italiano, in più di un’occasione palesemente fuori sincrono.

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Honey

admin — Tue, 19 May 2009 20:12:09 +0000

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High School Musical 3

admin — Tue, 19 May 2009 15:09:47 +0000

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High School Musical 2

admin — Tue, 19 May 2009 15:07:49 +0000

Secondo Tempo

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High School Musical

admin — Tue, 19 May 2009 15:04:29 +0000

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Camp Rock

admin — Mon, 18 May 2009 12:04:10 +0000

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