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Gamer

admin — Thu, 01 Jul 2010 21:44:31 +0000

In un futuro non troppo lontano il produttore di videogames Ken Castle ha ottenuto un grande successo con “Society””. Si tratta di un gioco in cui si può ordinare a distanza a un essere umano, dietro compenso, di vivere una vita che obbedisce agli ordini del soggetto pagante. Non contento Castle ha realizzato “Slayer”, game in cui chi può permetterselo paga per controllare dei condannati a morte che accettano missioni pericolosissime con la speranza di giungere alla fine del gioco vivi ed ottenere in premio la liberazione. L’eroe della prima edizione che appassiona miliardi di persone è Kable, un detenuto per omicidio il cui sogno è quello di potersi ricongiungere a moglie figlia. Kable è controllato da un diciassettenne abilissimo. Ma riuscirà ad arrivare vivo al termine dei 50 combattimenti previsti?
Neveldine e Taylor colpiscono ancora e pretendono di farlo affondando i colpi sotto la cintura sperando che l’arbitro non se ne accorga. Ci propongono così un Michael C. Hall che fa di tutto (riuscendoci) per farci dimenticare il suo ruolo in Dexter nei panni del perfido Castle. Il quale però somiglia pericolosamente (che a loro piaccia o meno) proprio ai due registi. I quali realizzano un film subdolamente ambiguo. Mentre infatti si pretende di mettere in guardia lo spettatore dalla degenerazione di cui i media sono pervasi se ne esaltano le potenzialità proprio con lo stile di ripresa e con i ritmi di montaggio.
Gli interpreti sono abili a mimetizzarsi, a partire da Gerard Butler, ma resta la spiacevole sensazione di assistere a una truffa ideologica che punta proprio sugli spettatori più giovani e meno attrezzati culturalmente. La virtualità che finge di denunciare se stessa in realtà vuole solo produrre assuefazione.

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The Wolfman

admin — Sat, 12 Jun 2010 15:53:10 +0000

Lawrence Talbot rientra in seno alla famiglia dopo una lunga assenza e in una notte di luna piena. Fuori dalla sua tenuta, una bestia affamata e famelica abita i boschi del villaggio, visita le notti dei puritani e ne strazia i corpi. Vittima della mostruosa creatura cade pure il fratello di Lawrence, sposato alla bella e mite Gwen, che chiede aiuto e trova conforto in lui. Per fermare l’orrore e fare chiarezza sulla vicenda viene ingaggiato un ispettore di Scotland Yard, Alberline. Durante una “battuta di caccia”, la bestia aggredisce e azzanna Lawrence riducendolo in fin di vita. Sopravvissuto al morso e fatalmente contagiato, il giovane Talbot si trasforma nelle notti di luna piena in un lupo, aggredendo e uccidendo gli abitanti del villaggio. Ricoverato in manicomio e poi fuggito, Lawrence verrà braccato da Alberline, deciso a porre fine ai suoi scempi. Gwen, perdutamente innamorata, tenterà invece di strapparlo alla licantropia con la forza dell’amore e dei suoi baci.La più leggendaria e misteriosa fra tutte le creature della Universal è senza dubbio l’uomo lupo, nato nel 1941 dalla penna dello sceneggiatore Curt Siodmak e ispirato dalla mitologia e dal folclore. Privo di una fonte letteraria forte e della radicale alterità che caratterizzano il Dracula di Bram Stoker e la creatura di Frankenstein di Mary Shelley, l’uomo lupo non è un essere completamente altro e avulso dalla società umana, è piuttosto un uomo condannato dal Fato a una diversità intermittente, che lo colpisce nelle notti di luna piena.Settant’anni e diverse variazioni sul tema dopo (Frankenstein contro l’uomo lupo, L’ululato, Un lupo mannaro americano a Londra), spetta a Joe Johnston rilanciare i licantropi, omaggiando la vecchia tradizione gotica e le gloriose produzioni “B” della Universal. Wolfman “restaura” make up e orrore, guardando alle versioni cinematografiche del romanzo “nero” ottocentesco, evidenziando una società che vieta l’esplicarsi delle forze inconsce e trasformando la tragedia greca del soggetto originale in tragedia shakespeariana. Al centro del film, si contendono scena, “trono” e fanciulla un padre e un figlio, un re e un principe, belve antropomorfe vittime della stesso male e della stessa inquietudine mostruosa.Benicio del Toro, attore che interpreta un attore, è una sorta di Amleto, un eroe romantico sull’orlo del precipizio. Chiuso in se stesso e nella sua immobilità luttuosa (la morte dell’amata madre quando era soltanto un bambino), teme l’insorgere della passione che può trasformarlo in predatore omicida. Il suo personaggio, fondato sugli infiniti e ripetuti “essere o non essere”, offre un aggiornamento efficace del principe danese, in lotta questa volta contro un genitore tangibile. Il padre di Anthony Hopkins, specializzato a partire da Hannibal Lecter in sdoppiamenti della personalità, è un aguzzino invasato, trincerato nel suo segreto e deciso a contendere il potere al figlio, di cui ingabbia letteralmente la spontaneità individuale. La tenuta dei Talbot è il paradiso e insieme la prigione morbosa che inscena la duplicità psicologica del protagonista, il conflitto e la manifestazione del tarlo segreto (ed ereditario) che divora la luminosa corazza dell’eroe.Eroso dall’interno, il giovane Lawrence crollerà sotto l’incendio delle passioni e rovinerà come la sua tenuta, sconfitto e spinto tra le braccia “del non essere” e dentro la sua prima notte di quiete.

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Saw VI

admin — Wed, 02 Jun 2010 12:19:59 +0000

La serie di film iniziata con Saw – L’enigmista e dedicata a una figura molto particolare di serial killer si è rivelata nel tempo come una delle franchise horror di maggiore successo e, al ritmo di un episodio all’anno, è rapidamente arrivata al sesto episodio senza più la brillantezza iniziale, ma ancora con qualche carta da giocare.
L’inizio di Saw VI è tipico della serie. Due persone – un uomo e una donna – sono bloccate in una trappola di Jigsaw, l’omicida seriale che ama sottoporre le sue vittime a quelli che definisce “giochi”: i due sono degli usurai e quindi c’è il consueto paravento etico sia per la loro prigionia sia per il tipo di trappola in cui sono caduti. Come nel Mercante di Venezia shakespeariano, infatti, Jigsaw vuole una libbra della loro carne. Solo uno però potrà salvarsi: quello che offrirà più carne. L’uomo è grasso e si taglia delle fette di giro vita, mentre la donna, magra, opta per un avambraccio. Chi vincerà? E soprattutto qualcuno vincerà veramente?
La struttura dei film della serie è ormai ancorata a un inizio che vede sempre una o più vittime fronteggiare una morte potenzialmente terribile. Come nei film di James Bond, si parte quindi da una sequenza forte per poi riprendere con una narrazione più tradizionale. In questo caso, la storia riparte da dove l’avevamo lasciata nel capitolo quinto, con il tormentato detective Mark Hoffman a osservare il cadavere stritolato del suo collega Peter Strahm, colpevole d’aver capito che lui era complice di Jigsaw.
William Easton (Peter Outerbridge) è il capo di un’impresa di assicurazioni. Cerca sempre, anche attraverso un suo team di esperti, di trovare delle scappatoie per non coprire assicurativamente quelli che non sono in buona salute, anche se magari hanno pagato anni e anni di assicurazione. Un caso è quello di Harold Abbott (George Newbern), al quale Easton ha contestato una polizza più che decennale perché non aveva resa nota un’operazione di trent’anni prima per la rimozione di una ciste dalla bocca (il che non ha ovviamente niente a che fare con la malattia di cuore che ha adesso). Così facendo, gli obietta inutilmente il disperato Abbott, lo condanna a morte perché nessuno più lo coprirà assicurativamente e non potrà curarsi.
Hoffman ha intanto una sorpresa: la detective Perez non era morta nel film precedente, ma, sopravvissuta alle ferite, era stata nascosta dal capo delle operazioni Dan Erickson sino a che non fosse stato sicuro di chi era la talpa che agiva per conto di Jigsaw. Perez ed Erickson pensano adesso che sia Strahm, perciò Erickson vuole che Hoffman lavori con Perez per trovarlo. Hoffman deve quindi fingere di investigare e nello stesso tempo proseguire il lavoro di Jigsaw, che ha lasciato qualcosa di non concluso: in particolare, William Easton.
Precursore del cinema della crudeltà, il primo Saw aveva qualità narrative e figurative notevoli: ha creato uno stile e l’ha fatto senza cedere nulla sul piano dell’ingegnosità del racconto. I seguiti hanno progressivamente perso di incisività, pur contribuendo a creare una complessa architettura che – diversamente dalla norma dei seguiti degli horror di successo, usualmente mere copie carbone – evidenzia la volontà di far procedere la storia in modo articolato e il più possibile originale, anche attraverso una continuity capace di fidelizzare lo spettatore. Personaggi nuovi vengono introdotti ad ogni episodio, mentre altri ritornano, anche inaspettatamente, proprio come in una sorta di soap-opera deviata e perversa. Diversi brani del film precedente vengono mostrati per ricordare quanto già successo in quello che ormai è un tortuoso sentiero narrativo pieno di intrecci e rimandi contorti.
L’episodio numero cinque aveva cominciato a mostrare la corda. Questo è leggermente più teso e ha al centro una questione più significativa. La circostanza infatti che stavolta la storia abbia a che fare con il welfare e la malsana lotteria delle assicurazioni private in America testimonia di un’ammirevole attenzione all’attualità. Gli executives che hanno in pugno salute e destino dei loro clienti sono pronti a sbranarsi tra loro per sopravvivere in una sanguinosa metafora della corsa al successo e al denaro tipicamente americana, ma ormai largamente esportata.
Jigsaw è forse l’unica notevole figura horror seriale creata dal cinema negli anni zero. Il personaggio è sicuramente interessante, ma probabilmente è stato utilizzato oltre i suoi limiti intrinseci: morente per diversi film e morto per i successivi, solo con una notevole sospensione dell’incredulità è possibile accettarlo tuttora come onnipresente nel cuore dell’azione. Tobin Bell è, tra gli attori specializzati nell’horror, quello che ha da sempre recitato più sotto le righe, creando un’icona fragile e allo stesso tempo potente, un giustiziere senza pietà, ma con un bizzarro senso del fair play. Le sue trappole sono sempre ingegnosamente crudeli e la suspense creata dal loro dipanarsi tra la sofferenza delle vittime e i loro disperati tentativi di salvarsi è spesso consistente, anche in questo episodio.
Nel cast, a parte i soliti noti, spicca la prova di Peter Outerbridge, già protagonista del curioso Kissed, che aveva per oggetto la necrofilia. La regia stavolta è di Kevin Greutert, già montatore nei film precedenti. La sua visione è in perfetta continuità con quella dei registi precedenti, anche nell’estetica da capannone abbandonato, da deserto postindustriale, sempre vincente per dare il senso di una desolazione totale e senza fine.

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The Final Destination 3D

admin — Sun, 23 May 2010 13:02:49 +0000

La serie iniziata con il primo Final Destination nel 2000 ha una particolarità: ciascuno dei sequel, a parte qualche rimando, è sostanzialmente un remake del capostipite. La cosa dev’essere sembrata evidente anche ai produttori che stavolta hanno rinunciato a proseguire la numerazione, rimasta ferma a Final Destination 3. La struttura resta quella del primo film (disastro iniziale, problemi degli scampati, epilogo sanguinoso), cambiano solo i personaggi e l’ambientazione del primo massacro. Un format così immutabile – basato su uno spunto brillante (quello di far sì che la Morte stessa sia il “cattivo” della storia) – fa dipendere la qualità dei singoli film dall’inventiva nelle variazioni relative alla catastrofe di partenza e ai modi utilizzati dalla Morte, che resta comunque sempre un’entità impersonale, per ripristinare l’ordine violato, dato che la caratterizzazione dei personaggi resta programmaticamente convenzionale e superficiale. Il compito di dare verve alla materia è stato affidato a David R. Ellis, passato recentemente alla regia proprio con Final Destination 2 (2003) e poi spesso rimasto in zona horror e dintorni con film come Snakes on a Plane e Asylum. Solido artigiano con una lunga gavetta alle spalle, Ellis ha dovuto anche nell’occasione confrontarsi con il 3-D, compagno di strada prediletto dell’horror sin dai tempi de La maschera di cera (1953) e recentemente tornato alla ribalta con successo, anche in ambito orrorifico (San Valentino di sangue).
Lo scenario iniziale è quello di una selvaggia gara automobilistica in stile americano. Un gruppo di amici è andato ad assistervi, con motivazioni e aspettative diverse. Le ragazze – Lori e Janet – sono annoiate, Hunt spera di vedere qualche spettacolare incidente. Nick è più preoccupato dalla vetustà della tribuna su cui sono seduti. In una sorta di sogno a occhi aperti, Nick “vede” il disastro prima che accada. Perciò scappa precipitosamente assieme ai suoi amici, che non capiscono il motivo della sua frenesia: lo capiscono quando il massacro avviene. I superstiti – tra cui alcune persone casualmente coinvolte dalla fuga di Nick – sono inizialmente sollevati per il loro destino, anche se hanno un senso di colpa per avercela fatta dove molti sono morti. Poi capiscono che il loro destino non è poi così gradevole. La Morte non accetta cambiamenti di programma: i suoi modi sono misteriosi e obliqui, ma efficaci, utilizzando anche tipici sentimenti umani, come l’odio razziale che spinge uno dei superstiti a cercare vendetta sul guardiano di colore del circuito automobilistico, dando il via a un domino letale.
La casualità dei piccoli fatti banali che si concatenano determinando l’iniziale disastro e quelli successivi è divertente da osservare e compone il tratto caratteristico dei film di questa serie. Non esiste una storia vera e propria, se non un banale filo che giustifica e lega insieme delle “vignette” sostanzialmente autonome dove, come in uno dei vecchi disegni di Rube Goldberg, un piccolo accadimento dà luogo a una valanga di conseguenze, attraverso un’ineluttabile serie di fatti sfortunati ma tecnicamente possibili. Ormai il gioco è diventato prevedibile, ma anche questa prevedibilità è diventata parte del gioco, parte cioè delle aspettative degli spettatori che vedono i personaggi come marionette appese ai fili di un destino che l’apparente casualità della Morte si diverte a recidere.
Su tutto, infatti, l’ineluttabilità del destino cui tutti bene o male tendiamo e che questo film, a modo suo e senza alcuna pretesa di profondità o serietà, ci porta a considerare.
Nell’economia della serie, questo “nuovo” episodio si mantiene in linea, architettando bizzarri incidenti al limite (e oltre) della credibilità e utilizzandoli per generare una simpatica suspense non tanto sulla sostanza narrativa – che si sa dove andrà a parare – quanto sui metodi per arrivarci. Caratteristiche che aiutano a guardare questo film sono anche il passo svelto e la brevità. Oltre al 3-D, cui stiamo ormai di nuovo abituandoci, ma che resta un gadget ancora d’effetto per film basati sull’effetto sorpresa e sulla spettacolarità esteriore.
In un cast non sempre all’altezza, si fa notare Mykelti Williamson (Forrest Gump) per la sensibilità della sua interpretazione nel ruolo di un ex alcolista gravato da un autentico senso di colpa e non così spaventato dall’idea di dover morire.

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Legion

admin — Fri, 30 Apr 2010 02:27:38 +0000

Gli angeli – in lotta tra loro o con i demoni – sono stati protagonisti di diversi horror in un passato più o meno recente. L’australiano Gabriel – La furia degli angeli di Shane Abbess è tra questi, ma l’esempio forse più popolare è quello di L’ultima profezia con Christopher Walken nei panni di Gabriele, primo di una piccola franchise (i seguiti sono ben quattro, al momento). Legion riprende questi temi e – con qualche suggestione da Terminator e, soprattutto per l’estetica, da Matrix – li sviluppa cercando di inserire qualche spunto originale in una storia piuttosto semplice.
Los Angeles, 23 dicembre. Dio si è stancato delle malefatte umane e ha sguinzagliato sulla Terra una legione di angeli per portare l’Apocalisse. L’arcangelo Michael, però, non è d’accordo e vuole salvare l’umanità. In uno scalcinato locale ai margini del deserto, il Paradise Falls, un gruppo di persone vive i suoi problemi: Jeep si preoccupa di Charlie, la cameriera single incinta di otto mesi; Bob, papà di Jeep, si preoccupa di tirare avanti il locale, aiutato dal cuoco filosofo Percy; in attesa che Jeep aggiusti la loro auto, Howard tiene a bada la moglie Sandra, preoccupata per l’alto grado di disinibizione della figlia Audrey; Kyle ha problemi familiari che cerca inutilmente di risolvere al telefono. Tutto sembra decadente, tutti sono preoccupati per qualcosa, ma senza alcuna spinta positiva. Improvvisamente, radio, tv e telefoni smettono di funzionare. Nel locale entra Gladys, una vecchietta dapprima arzilla e gentile e poi molto, ma molto meno. Azzannato al collo il povero Howard, avverte tutti che stanno per morire. Una nube di insetti compare all’orizzonte, poi arriva Michael ad affrontare con gli uomini la prova finale.
Simpatico l’uso di una vecchietta, di un bizzarro gelataio e di un angelico bambino in modo più o meno anticonvenzionale. Interessante l’aria desolata e disillusa, da vecchio noir on the border, della location decisiva per le sorti dell’umanità. Azzeccato anche il tono apocalittico e misterioso del primo terzo di film, più cupo che magniloquente, come invece accaduto in altri esempi del filone. Poi cominciano le concessioni a un confronto “filosofico-religioso” piuttosto “facile”, un bignamino di dottrina ritenuto forse necessario per gli spettatori che non si accontentano dell’implicito. In questa fase centrale, il film perde la sua presa sulla storia che racconta e si sfilaccia in psicologismi di maniera. La parte finale ritrova una certa vivacità, ma è condizionata dall’uso di un’iconografia fin troppo classica nella rappresentazione degli angeli in lotta e da una totale resa alle regole del melodramma. Tra botte da orbi e spari all’impazzata si perde un po’ il senso dello scontro etico, ma probabilmente non era quest’ultimo lo scopo del film.
Qualche dialogo è efficace: quando uno sconcertato Bob dice a Michael di non credere in Dio, Michael, di rimando, gli risponde che è normale, neanche Dio crede più in lui. E questo è quanto: Dio non crede più nell’umanità e, dopo il diluvio, ora usa modi più spicci e violenti, da film horror appunto: gli umani posseduti dagli angeli distruttori sono come zombie e assediano il solitario locale nel deserto. Michael è armatissimo e agisce come un Rambo ultraterreno (la cosa è sottolineata ironicamente): combatte per gli uomini disobbedendo a Dio perché non ha perso fiducia in loro. Beato lui.
La nascita di un figlio come (ri)nascita della speranza per l’umanità richiama La settima profezia, che, pur senza brillare, costituiva un approccio un po’ più problematico all’Apocalisse. Dennis Quaid dà sofferto spessore al ritratto di un fallito che cerca un riscatto alla propria rassegnazione. Alla tv del suo locale danno La vita è meravigliosa: altri angeli, altri film.

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Living Hell [Alta Qualità]

admin — Fri, 12 Mar 2010 00:17:54 +0000

Per tutta la sua vita, l’insegnante di scuola Frank Sears (Schaech) fa i conti con una strana paura che porta con se dal momento in cui la madre si tolse la vita: è stata proprio lei a tramandargliela. Misteriosi segnali conducono Frank a scoprire un progetto top-secret di guerra fredda…Una creatura malvagia, mostruosa, che si nutre di luce ed energia muovendosi con velocità esponenziale, sta prendendo il sopravvento su ogni cosa. L’esercito si prepara a schierare la più sinistra di tutte le armi, una bomba atomica. Intanto Frank scopre che l’origine di questa creatura ha a che fare con suo padre…Frank deve confrontarsi con l’orrenda realtà che solamente lui è in grado di fermare questo inferno vivente.

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Son Of Sam

admin — Wed, 03 Mar 2010 23:51:04 +0000

Fra il 1976 e il 1977, David Berkowitz ha assassinato sei persone e ferito altre sette durante una serie di attacchi che hanno terrorizzato New York City. E’ stato definito dai giornali “The .44 Caliber Killer” firmandosi, in una lettera trovata vicino ad una vittima, “Son of Sam”. Dopo che Berkowitz è stato arrestato, in parte dovuto ad un biglietto del parcheggio non pagato, ha detto: “Sono un membro di una setta satanica e il cane del mio vicino è posseduto dal demonio”.

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Gruesome

admin — Wed, 03 Mar 2010 23:33:34 +0000

Claire studia al college e lavora. Spesso si addormenta anche in classe, sfinita dalla fatica. Sogna di essere inseguita, intrappolata torturata e uccisa da un maniaco ma liquida il suo incubo come il risultato dell’eccessivo stress. Quando però il sogno si ripete altre volte e ne rimangono tracce anche nel mondo reale, Claire si convince che stia accadendo qualcosa di soprannaturale e chiede aiuto a chi può, (una madre distante, un ragazzo poco affettuoso, l’amica..) senza ottenere molta collaborazione. La ragazza scoprirà l’incredibile verità nascosta dietro questi continui incubi in un finale che lascerà sorpreso più di uno spettatore…

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The Wolfman

admin — Sun, 21 Feb 2010 17:00:40 +0000

Lawrence Talbot rientra in seno alla famiglia dopo una lunga assenza e in una notte di luna piena. Fuori dalla sua tenuta, una bestia affamata e famelica abita i boschi del villaggio, visita le notti dei puritani e ne strazia i corpi. Vittima della mostruosa creatura cade pure il fratello di Lawrence, sposato alla bella e mite Gwen, che chiede aiuto e trova conforto in lui. Per fermare l’orrore e fare chiarezza sulla vicenda viene ingaggiato un ispettore di Scotland Yard, Alberline. Durante una “battuta di caccia”, la bestia aggredisce e azzanna Lawrence riducendolo in fin di vita. Sopravvissuto al morso e fatalmente contagiato, il giovane Talbot si trasforma nelle notti di luna piena in un lupo, aggredendo e uccidendo gli abitanti del villaggio. Ricoverato in manicomio e poi fuggito, Lawrence verrà braccato da Alberline, deciso a porre fine ai suoi scempi. Gwen, perdutamente innamorata, tenterà invece di strapparlo alla licantropia con la forza dell’amore e dei suoi baci.
La più leggendaria e misteriosa fra tutte le creature della Universal è senza dubbio l’uomo lupo, nato nel 1941 dalla penna dello sceneggiatore Curt Siodmak e ispirato dalla mitologia e dal folclore. Privo di una fonte letteraria forte e della radicale alterità che caratterizzano il Dracula di Bram Stoker e la creatura di Frankenstein di Mary Shelley, l’uomo lupo non è un essere completamente altro e avulso dalla società umana, è piuttosto un uomo condannato dal Fato a una diversità intermittente, che lo colpisce nelle notti di luna piena.
Settant’anni e diverse variazioni sul tema dopo (Frankenstein contro l’uomo lupo, L’ululato, Un lupo mannaro americano a Londra), spetta a Joe Johnston rilanciare i licantropi, omaggiando la vecchia tradizione gotica e le gloriose produzioni “B” della Universal. Wolfman “restaura” make up e orrore, guardando alle versioni cinematografiche del romanzo “nero” ottocentesco, evidenziando una società che vieta l’esplicarsi delle forze inconsce e trasformando la tragedia greca del soggetto originale in tragedia shakespeariana. Al centro del film, si contendono scena, “trono” e fanciulla un padre e un figlio, un re e un principe, belve antropomorfe vittime della stesso male e della stessa inquietudine mostruosa.
Benicio del Toro, attore che interpreta un attore, è una sorta di Amleto, un eroe romantico sull’orlo del precipizio. Chiuso in se stesso e nella sua immobilità luttuosa (la morte dell’amata madre quando era soltanto un bambino), teme l’insorgere della passione che può trasformarlo in predatore omicida. Il suo personaggio, fondato sugli infiniti e ripetuti “essere o non essere”, offre un aggiornamento efficace del principe danese, in lotta questa volta contro un genitore tangibile. Il padre di Anthony Hopkins, specializzato a partire da Hannibal Lecter in sdoppiamenti della personalità, è un aguzzino invasato, trincerato nel suo segreto e deciso a contendere il potere al figlio, di cui ingabbia letteralmente la spontaneità individuale. La tenuta dei Talbot è il paradiso e insieme la prigione morbosa che inscena la duplicità psicologica del protagonista, il conflitto e la manifestazione del tarlo segreto (ed ereditario) che divora la luminosa corazza dell’eroe.
Eroso dall’interno, il giovane Lawrence crollerà sotto l’incendio delle passioni e rovinerà come la sua tenuta, sconfitto e spinto tra le braccia “del non essere” e dentro la sua prima notte di quiete.

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Venerdi 13

admin — Tue, 09 Feb 2010 20:13:00 +0000

Una terribile tragedia si è consumata a Camp Crystal Lake. Tre decenni più tardi un gruppo di ragazzi si reca sul luogo della strage alla ricerca di un campo di marijuana per appropriarsi indebitamente delle cime con l’intenzione di arricchirsi. Accampati nell’oscura foresta, i cinque verranno fatti fuori da un uomo mascherato. Sei settimane dopo un giovane di nome Clay giunge a Crystal Lake a bordo della sua moto per cercare la sorella scomparsa. Si imbatterà nello spocchioso Trent che ha invitato alcuni amici a passare il week end nella villa di famiglia che si affaccia sul lago.
Era il 9 maggio 1980 quando Venerdì 13 usciva nelle sale americane. Sebbene nel film di Sean S. Cunningham Jason Voorhees non fosse il killer bensì una vittima, il suo personaggio ispirò ben dieci sequel.
Marcus Nispel, che si era affacciato sul cinema proprio con il remake di un horror (Non aprite quella porta), torna a Camp Crystal Lake per riportare sullo schermo il mito di Jason. Prendendo spunto dai primi tre episodi della saga confeziona un reboot dove l’antefatto è utilizzato come breve preambolo per chiarire la natura del sanguinario omicida. Il regista non sembra tanto interessato all’evoluzione para-fantascientifica del personaggio (scelta dai tanti successori di Cunningham), quanto alla sua psicologia, forza fisica e onnipresenza. Inoltrandosi nel bosco con la camera a mano Nispel ricrea la giusta tensione occupandosi ora del quintetto accampato, ora della storia di Jason partendo dal raccapricciante racconto, che si svolge immancabilmente intorno al fuoco, sugli avvenimenti di trent’anni prima.
La narrazione, che scivola nella notte e nell’orrore lasciando pochi momenti di respiro, si concentra su quello che accade sei settimane più tardi, quando un gruppo di studenti universitari giunge sul luogo per passare un tranquillo week end (di paura) all’insegna di sesso, droga e rock’n'roll. Proprio come fece Sean S. Cunningham, anche il suo erede sceglie un cast di giovani attori di bell’aspetto che sembrano usciti da una pubblicità della Pepsi e gioca con l’ironia per alternare momenti di puro terrore al divertimento spicciolo dell’assortito gruppetto. Conscio di doversi attenere alle aspettative del pubblico ma deciso a provare nuove soluzioni, Nispel recupera l’immaginario di Jason per rilanciarlo sulla scena horror prestando attenzione ai dettagli ed escogitando uccisioni “a effetto”.
Chicche come il sacco di juta che viene sostituito a metà film dalla maschera da portiere di hockey e i vari omaggi alla saga – lo sceriffo Bracke prende il nome dell’autore del libro “Crystal Lake Memories: The Complete History of Friday the 13th” – non bastano per fare del nuovo Venerdì 13 il cult che fu. Tuttavia è molto possibile che saprà accontentare gli aficionados di sempre e i nuovi adepti del popcorn-horror.

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