Film Gratis - Download Giochi e Streaming Film in Italiano! » Documentario

Quando tutto cambia

admin — Thu, 06 May 2010 14:10:06 +0000

April Epner ha 39 anni, è insegnante e si sta sposando con rito ebraico con un amcio d’infanzia, Ben. Circa un anno dopo la ritroviamo in crisi totale. I suoi tentativi di avere un figlio non hanno avuto successo. Ben, un adolescente mai cresciuto, non regge alla pressione e lascia, non senza avere fatto per l’ultima volta l’amore con lei. La madre adottiva muore. Proprio allora decide di venire allo scoperto la madre naturale Bernice, conduttrice televisiva di un talk show. In questo marasma di emozioni Epner sembra trovare conforto in Frank, divorziato di recente e con due figli uno dei quali va a scuola dalla protagonista. ‘Sembra’ trovare conforto perché un’altra problematica novità è in arrivo…
Per Helen Hunt davvero è cambiato molto in questi ultimi anni. Da una, in parte volontaria, scomparsa dal grande schermo al ritorno come regista al suo esordio e, al contempo, protagonista. Come al solito la titolazione italiana gioca sul fatto che il grande pubblico più adulto ha fatto in passato la prima vera conoscenza con lei grazie a Qualcosa è cambiato in cui doveva vedersela con il più che mai imprevedibile Jack Nicholson.
Da allora molto tempo è passato ma l’attrice californiana continua a sentirsi a suo agio con personaggi femminili che avvertono il peso del tempo che passa e sono afflitti da più o meno leggeri sensi di disagio. È quanto accade ad April che si vede succedere intorno nella prima parte del film tali e tanti eventi da far temere il rischio soap opera. Ma la Hunt sa controllare la sceneggiatura così come gli attori riuscendo a domare perfino Bette Midler alla quale conferisce quel tanto di calore e umanità che altri registi non hanno saputo valorizzare.
Intendiamoci, Quando tutto cambia non è un capolavoro ma riesce a trovare i toni giusti per raccontare quel bisogno di maternità e di sicurezza che tanto altro cinema trascura perché non ‘vende’. Lo fa con l’attenzione per quei ‘workers’ che ancora esistono anche se sono sempre meno protagonisti. Così diventa tenero l’imbarazzo di April quando, invitata da Bernice in un ristorante di lusso e recatasi alla toilette vede le mance lasciate da chi l’ha preceduta. Lei mette una moneta nel cestino e si giustifica “Sono un’insegnante”. Le insegnanti (made in Usa e non) capiscono.

Streaming:
Megavideo
Megaupload

Oceani 3D [Alta Qualità]

admin — Mon, 03 May 2010 22:49:16 +0000

Aldo, Giovanni e Giacomo, salgono su una tartaruga come viaggiatori dello spazio su un’astronave, ed esplorano con stupore e tremore “le grand bleu”, proponendosi a loro volta come simpatica guida alla visione per il pubblico dei più piccoli. Del trio udiamo solo le voci e percepiamo l’incertezza rispetto alla loro natura: “da grandi” saranno enormi squali balena o piccoli pesci pagliaccio? Megattere o leoni marini? Meravigliose ballerine spagnole o velenosissimi serpenti? Per ora –s’intuisce presto- non sono che uova, cosebuffe, testetonde, che nuotano nel brodo primordiale.
Versione italianissima di una pellicola francese, prodotta da Jean-Michel Cousteau, figlio di Jacques, e realizzata dai fratelli Mantello, non mira ad un pubblico di scienziati o specialisti bensì al maggior numero di curiosi possibile, un conto potenzialmente altissimo, dato che si stima che solo meno dell’1% della popolazione mondiale abbia mai visitato il mondo sottomarino. Come altissimo è, d’altronde, il rischio di estinzione di molte specie prese in esame, dal buffo lamantino alla più (apparentemente) comune tartaruga gigante. Per questo, non turba più di tanto il commento comico, nonostante sia pensato senza soluzione di continuità e non lasci spazio alla contemplazione muta, come avveniva invece, per esempio, nella Marcia dei pinguini, ma spiace, piuttosto, che gli interpreti non siano anche autori del testo di cui si fanno portavoce, poiché magari, in quel caso, avremmo potuto contare su un po’ di smalto in più (e non solo sulla battuta: “ma si chiaman tutti Marino?”)
Girato in più di 60 locations, da più di 400 operatori, nel corso di oltre 7 anni di riprese, Oceani 3D è un viaggio poetico in un paese delle meraviglie naturali, grazie al quale si scorge finalmente l’utilità della visione tridimensionale, trattandosi letteralmente di un percorso nelle profondità.
Vien spesso da chiedersi, durante l’osservazione ammirata della vita delle creature del mare, cui sembra non mancare nulla, né l’istinto né il sentimento, non certo l’eleganza e forse nemmeno la parola, cosa ci renda poi migliori di loro. Ai piccoli l’ardua risposta.

Streaming:
Megavideo
Megaupload

Valentino L’ultimo Imperatore

admin — Wed, 03 Mar 2010 23:56:07 +0000

“Valentino – L’ultimo imperatore” è il titolo del film di Matt Tyrnauer che racconta lo stilista, pubblico e privato, dagli esordi fino ad oggi. Il film è in competizione nella sezione Orizzonti, che intende fare il punto sulle nuove linee di tendenze del cinema. Non solo una biografia, ma anche uno sguardo al lavoro che occore per la creazione di abiti haut…

Streaming:

Megavideo
Megaupload
Depositfiles
Youload(video)
Youload(file)
Movshare
X7.TO

Videocracy – Basta Apparire

admin — Wed, 18 Nov 2009 12:39:33 +0000

“In una videocrazia la chiave del potere è l’immagine. In Italia soltanto un uomo ha dominato le immagini per più di tre decenni. Prima magnate della TV, poi Presidente, Silvio Berlusconi ha creato un binomio perfetto caratterizzato da politica e intrattenimento televisivo, influenzando come nessuno altro il contenuto della tv commerciale in Italia. I suoi canali televisivi, noti per l’eccessiva esposizione di ragazze seminude, sono considerati da molti uno specchio dei suoi gusti e della sua personalità”. Erik Gandini.
Erik Gandini, regista, vive in Svezia ma è nato e cresciuto in Italia. Con questo film, torna nel suo Paese d’origine, per raccontare dall’interno le conseguenze di un esperimento televisivo che gli italiani subiscono da 30 anni. Riesce ad ottenere accesso esclusivo alle sfere più potenti e rivela una storia significativa, derivata dalla spaventosa realtà della televisione italiana.

[Dvd-RIP]:
MovShare

Religiolus – Vedere Per Credere

admin — Thu, 27 Aug 2009 10:07:20 +0000

Bill Maher è un comico da noi poco conosciuto ma che negli Stati Uniti è da quasi vent’anni uno dei più noti protagonisti dei late night shows. Uno stand-up comedian che da sempre rivolge gran parte dei suoi monologhi verso una totale demitizzazione dei dogmi delle varie religioni del mondo, ogni volta demistificati attraverso lo strumento dell’ironia e rese vittime sacrificali delle sue caustiche punchlines. Accompagnato dal regista di Borat, Larry Charles, e dalla sua troupe, Maher compie un viaggio intorno al mondo intervistando vari esponenti di numerose religioni, da quelle più assurde ed improbabili che si annidano nell’entroterra americano, fino ai credo più istituzionalizzati e perciò considerati inviolabili. Politici e artisti devoti vengono ascoltati, anche addetti di un parco a tema della Florida inequivocabilmente chiamato “The Holy Land”. A questi Maher oppone in ogni occasione il suo personale credo del “dubbio” e della dissacrazione.
Se si sospende per un attimo l’essenza del lavoro sul metalinguaggio che la categoria del “mockumentary” (il falso documentario) implica per necessità, Religiolus può essere a suo modo considerato un “mock-documentary”, nel senso più letterale del termine: quello di un documentario che elegge il verbo “to mock” a vero e proprio principio ispiratore. D’altronde lo stesso titolo originale (Religulous) è un gioco linguistico e al tempo stesso una precisa dichiarazione d’intenti: si tratta di un documentario con un fine marcatamente canzonatorio, quello di mettere in ridicolo lo stesso concetto di religione. E Maher è il portavoce ideale di tale tipo di operazione. Motivato da una saggezza epicurea e da una retorica voltairiana, il comico americano parte da un principio incontrovertibile: la ratio deve sempre dominare sulla religio, la saggezza immanente deve sempre risultare superiore ad ogni superstizione trascendente. Maher e Charles avvalorano tale ipotesi partendo dal dato storico che le religioni non solo sono state per millenni “oppio dei popoli” per eccellenza, ma anche causa, supporto o giustificazione per guerre, eccidi, soprusi e morte. Molte delle domande che Maher pone in questo documentario, fra un’intervista e uno sfottò con questo e quell’esponente religioso, sarebbe opportuno sentirle fare un po’ più spesso al di fuori di una sala cinematografica, visto che quel che vi è all’esterno è un mondo che troppo spesso impone politicamente, culturalmente e storicamente l’idea di religione come “religione di stato”, punto di vista unico sulle cose e sulla natura.
Il vero problema che un film come Religiolus pone, va al di là dei contenuti che promuove. Il film è poco più di un divertente e lungo spot in favore dell’agnosticismo, una forma di propaganda satirica che, sebbene parli ad una minoranza silenziosa che riguarda almeno il 10% di persone che abitano questo mondo, resta pur sempre propaganda mutuata sul linguaggio dell’infotainment televisivo. Contagiati così da una sindrome che vede in Michael Moore uno dei principali portatori virali, Maher e Charles non permettono alcuna dialettica possibile con lo spettatore, non invitano ad alcuna speculazione o riflessione che non finisca che con l’accentrarsi su di un cieco dibattito fra opposizioni stagne. Chi ride “con Maher”, ride perché il film ha il merito di interpretare il suo pensiero attraverso il filtro dell’ironia; chi ride “di Maher” (oppure non ride proprio), lo fa appellandosi alla faziosità, se non all’offesa o al dileggio personale. Il tutto nel nome di una crociata che vede scontrarsi senza riserve, da una parte e dall’altra, atei e devoti, pii e miscredenti, razionalisti e spiritualisti, iconoclasti ed iconofili, angeli e demoni. Ognuno diviso su posizioni che mai, neanche di fronte ad un giudizio universale, potranno incontrarsi.

Scarica

Ritorno a Brideshead

admin — Tue, 30 Jun 2009 00:14:20 +0000

1925. Oxford Charles Ryder, originario di Paddington e aspirante pittore, conosce il raffinato e trasgressivo Sebastian Flyte figlio di Lord e Lady Marchmain. Charles viene rapidamente attratto dalla vitalità di Sebastian divenendone l’amante e accettando di essere invitato nella sontuosa dimora di Brideshead. Nel corso di una delle visite conosce Julia, sorella di Sebastian, innamorandosene. La famiglia è però rigidamente cattolica e mentre può sopportare l’eccentricità del figlio non potrà mai ammettere che Julia possa sposare un ‘ateo’ come Charles.
Dopo Becoming Jane, con questo film ispirato a un romanzo di Evelyn Vaugh ( che aveva già avuto un adattamento televisivo in 11 episodi) si propone con sicurezza come il più valido continuatore possibile del cinema di James Ivory. Come lui infatti è in grado di gestire senza leziosità gratuite un film in costume. Sa lavorare su un’opera letteraria traendone la sostanza. Riesce a restituire al contempo l’apparenza esteriore di un’epoca e le tensioni sotterranee e spesso inconfessabili che la percorrono. Ama la cura per il décor e, come Ivory, denuncia le storture di un’epoca non nascondendo che in fondo in fondo avrebbe voluto viverci.
Nel raccontare la vicenda di Charles Ryder, agnostico di bassa estrazione sociale che tenta la scalata a una condizione superiore utilizzando come gradini I sentimenti e le stesse rigidità altrui, Jarrold ricostruisce con lucida precisione un mondo che sta scomparendo (quello della nobiltà di matrice rigidamente cattolica) ma che non può venire del tutto spento da chi rifiuta l’ipocrisia dell’apparente religiosità per costruire altre e nuove ipocrisie. L’anello debole della catena si rivela essere proprio chi apparentemente infrangeva tutte le regole ma che in realtà di regole nuove (legate a fedeltà e sincerità) aveva più che mai necessità: Sebastian. Jarrold ce ne propone la progressiva distruzione psicologica provando compassione per il personaggio. Un sentimento che non prova nei confronti degli altri. tutti in qualche modo protetti da una corazza di convenzioni che la Seconda Guerra Mondiale incrinerà irreversibilmente.

Scarica
Titolo Italiano:Ritorno a Brideshead
Titolo Originale:Brideshead Revisited
Genere:Drammatico
Durata:135′
Segnalato da:Admin

Streaming del film Ritorno a Brideshead

Earth – La nostra Terra

admin — Tue, 26 May 2009 13:23:02 +0000

È grazie a un incidente cosmico lontano cinque miliardi di anni che la Terra può ospitare la vita. La sua inclinazione di ventitrè gradi e mezzo rispetto al sole produce il ciclo delle stagioni e il clima perfetto perché uomini, animali e piante possano vivere e convivere. Peccato che l’armoniosa convivenza venga troppo spesso compromessa dagli sconsiderati interventi dell’uomo, dalle sue manipolazioni grossolane o raffinate che siano. Troppe automobili, troppe fabbriche, un consumo eccessivo di detersivi e di insetticidi, impianti per il trattamento delle acque di scarico inadeguati, poca acqua, eccesso di anidride carbonica, discariche abusive, emissioni, rifiuti, riscaldamento domestico contraddicono la logica naturale alterando gli equilibri e il modo di abitare degli organismi animali.
In un viaggio epico e spettacolare da nord a sud, dall’inverno alla primavera, Alastair Fothergill e Mark Linfield hanno filmato da molto vicino la vita e le fatiche stagionali di tre famiglie del regno animale. Partiti alla volta del Polo Nord, gli autori hanno registrato la fine dell’inverno e il risveglio di una famiglia di orsi polari alle prese coi primi passi dei loro cuccioli e con la ricerca affannosa di cibo per spegnere la fama accumulata nel letargo. I loro obiettivi si spostano successivamente nel deserto vasto e arido del Kalahari, dove impetuose tempeste di sabbia e accecanti nuvole di polvere battono e confondono il procedere lento e ostinato di un branco di elefanti, di una elefantessa madre e del suo cucciolo diretti al delta dell’Okavango, ancora asciutto ma presto paradiso fertile, bagnato dal flusso delle acque. Lasciando la terraferma per gli oceani blu, i registi incontrano una balena megattera e il suo piccolo, impegnato nelle sue prime lezioni di nuoto e di respirazione. Nelle acque calde dell’Equatore, che non conoscono l’avvicendarsi delle stagioni, non c’è però sostentamento per le balene che affronteranno un viaggio di seimilacinquecento chilometri, fino agli estremi meridionali del nostro pianeta (in Antartide), per soddisfare il loro appetito e fare scorta di cibo.
Il viaggio dei nostri “eroi” non è privo però di pericoli e avversari temibili, appostati lungo le pozze d’acqua nel deserto, nascosti nelle profondità dell’oceano o ancora provvisti di zanne affilate e fendenti per sferrare colpi e difendere a loro volta i propri cuccioli inermi e sguarniti. Mentre gli animali in terra lottano per la sopravvivenza, il cielo è attraversato da stormi di damigelle di Numidia, che affrontano la più incredibile delle migrazioni superando, a colpi di ali e contro le correnti d’aria, le vette impervie dell’Himalaya verso climi più temperati.
Tra elefanti, balene, squali bianchi, leoni, caribou, lupi e trichechi, è indubbiamente l’orso bianco il simbolo delle conseguenze negative del cambiamento climatico in atto, l’emblema della denuncia di un documentario didattico, narrato (in Italia) dalla voce popolare di Paolo Bonolis. Il riscaldamento globale ha di fatto determinato lo sciogliersi precoce dei ghiacci artici sotto le zampe possenti degli orsi, riducendo le banchise dove questi enormi carnivori cacciano e si riproducono. Spinti in alto mare dalla fame finiscono annegati nelle acque ghiacciate a più di cento chilometri dalla costa.
Earth con grazia e lirismo, guardando al pianeta e alle sue creature, non manca di porre l’accento sulla peculiarità della specie umana, che nel grande sistema naturale ha assunto un ruolo duplice e contraddittorio: di conoscenza e di distruzione. Un invito per immagini a occuparsi delle conseguenze che le proprie attività possono avere sull’ambiente naturale, cominciando a misurarne gli effetti.

Scarica

Il Divo

admin — Wed, 20 May 2009 16:11:49 +0000

C’è un uomo che soffre di terribili emicranie e arriva anche a contornarsi il volto con l’agopuntura pur di lenire il dolore. È la prima immagine (grottesca) di Giulio Andreotti ne Il divo.
Siamo negli Anni Ottanta e quest’uomo freddo e distaccato, apparentemente privo di qualsiasi reazione emotiva, è a capo di una potente corrente della Democrazia Cristiana ed è pronto per l’ennesima presidenza del Consiglio. L’uccisione di Aldo Moro pesa però su di lui come un macigno impossibile da rimuovere. Passerà attraverso morti misteriose (Pecorelli, Calvi, Sindona, Ambrosoli) in cui lo si riterrà a vario titolo coinvolto, supererà senza esserne scalfito Tangentopoli per finire sotto processo per collusione con la mafia. Processo dal quale verrà assolto.
Paolo Sorrentino torna a fare cinema direttamente politico in Italia (Il caimano essendo un’abile commistione di politico e privato). Compie una scelta difficile pur decidendo di colpire un obiettivo facile: Andreotti. L’uomo di Stato che è stato definito di volta in volta, la Sfinge, il Gobbo, La Volpe, il Papa nero, Belzebù e, giustappunto, il Divo Giulio si prestava sicuramente a divenire simbolo di una riflessione sui mali del nostro Paese. La scelta era comunque difficile perchè Sorrentino aveva alle sue spalle almeno tre nomi ai quali ispirarsi e dai quali stilisticamente distinguersi in questa sua riscoperta del cinema impegnato: Francesco Rosi, Elio Petri, Giuseppe Ferrara. Il primo con il suo rigore nella denuncia, il secondo con una visionarietà graffiante, il terzo con il suo cronachismo drammaturgicamente efficace.
Sorrentino riesce nell’operazione. Dichiara, consapevolmente o meno, i propri debiti nei confronti degli autori citati nella fase iniziale del film che innerva però sin da subito con una cifra di grottesco che diventa la sua personale lettura del personaggio e di coloro che lo hanno circondato e sostenuto. Proprio grazie a questa scelta stilistica può permettersi, nell’ultima parte del film, di proporci le fasi processuali per l’accusa di mafia grazie a una visione in cui surreale e reale finiscono con il coincidere.
L’Andreotti di Sorrentino è un uomo che ha consacrato tutto se stesso al Potere. Un politico che ha saputo vincere anche quando perdeva. Un essere umano profondamente solo che ha trovato nella moglie l’unica persona che ha creduto di poterlo conoscere. La sequenza in cui i due siedono mano nella mano davanti al televisore in cui Renato Zero canta “I migliori anni della nostra vita” entra di diritto nella storia del cinema italiano. È la sintesi perfetta (ancor più degli incubi ritornanti con le parole come pietre scritte a lui e su di lui da Aldo Moro dalla prigione delle BR) di una vita consacrata sull’altare sbagliato.
Una vita in cui, come afferma lo stesso Andreotti (interpretato da un Servillo capace di cancellare qualsiasi remota ipotesi di imitazione per dedicarsi invece a uno scavo dell’interiorità del personaggio), è inimmaginabile per chiunque la quantità di Male che bisogna accettare per ottenere il Bene. That’s Life? Forse non necessariamente.

Scarica

Il codice Da Vinci

admin — Wed, 20 May 2009 16:06:29 +0000

Locandina Il codice Da Vinci Il cadavere del curatore del Louvre viene trovato ricoperto di strani segni e nella posizione dell’uomo di Vitruvio di Leonardo Da Vinci. Delle scritte sul suo corpo coinvolgono Robert Langdon, un esperto di simbologia che insieme alla nipote del morto inizierà una ricerca che potrebbe portare a uno sconvolgimento della fede cristiana.
De Il Codice da Vinci si è detto e scritto a dismisura tanto da costruire un’attesa per il film decisamente al di là delle sue qualità. Ron Howard è un regista che ci ha offerto film interessanti come A Beautiful mind e Cinderella Man, ma oggi si presenta nei panni di un narratore di cinema di genere che ritma la sua caccia al tesoro con qualche lampo di violenza di troppo. Avrebbe potuto lavorare su quello che il romanzo offriva di interessante, come ad esempio la tensione verso un ruolo maggiore della donna nella Chiesa, invece si limita a seguire il plot di base. Le falsificazioni storiche di Dan Brown vengono collocate in flashback virati e tremolanti che sanno molto di posticcio, mentre i due protagonisti procedono di casella in casella come nel gioco dell’oca.
I credenti avevano motivo di temere questo film perché nel romanzo la tensione narrativa è sostenuta con una scrittura da autore di best seller consumato e se è vero come è vero che il cinema raggiunge masse che non hanno mai letto un libro in vita loro le ansie sono giustificate. Ma, come è scritto a premessa del libro, la storia è opera di fantasia: personaggi e luoghi citati sono invenzioni dell’autore e hanno lo scopo di conferire veridicità alla narrazione e sullo schermo tutto ciò diventa assolutamente evidente. Tra il caveau di una banca e la cripta di una chiesa antica, mentre si descrivono i prelati come avrebbe potuto farlo un anticlericale romagnolo del secolo scorso, si dipana un thriller di discreta fattura con influssi di road movie. Ma davvero nulla di più.

Scarica Primo Tempo
Scarica Secondo Tempo

Scarica

Il bambino con il pigiama a righe

admin — Wed, 20 May 2009 15:56:01 +0000

Berlino, anni Quaranta. Bruno è un bambino di otto anni con larghi occhi chiari e una passione sconfinata per l’avventura, che divora nei suoi romanzi e condivide coi compagni di scuola. Il padre di Bruno, ufficiale nazista, viene promosso e trasferito con la famiglia in campagna. La nuova residenza è ubicata a poca distanza da un campo di concentramento in cui si pratica l’eliminazione sistematica degli ebrei. Bruno, costretto ad una noiosa e solitaria cattività dentro il giardino della villa, trova una via di fuga per esplorare il territorio. Oltre il bosco e al di là di una barriera di filo spinato elettrificato incontra Shmuel, un bambino ebreo affamato di cibo e di affetto. Sfidando l’autorità materna e l’odio insensato indotto dal padre e dal suo tutore, Bruno intenderà (soltanto) il suo cuore e supererà le recinzioni razziali.
La drammaticità della Shoah, di un inferno voluto dagli uomini per gli uomini, è inarrivabile e di fatto non rappresentabile ma questo non ha impedito al cinema di provare e riprovare a misurarsi con quella tragedia. L’approccio cinematografico di Mark Herman, regista e sceneggiatore, è diretto e il punto di vista assunto è quello di un bambino, figlio di un gerarca nazista, la cui innocenza (davanti all’orrore) trova corrispondenza soltanto in Shmuel, coetaneo internato all’inferno. A differenza di La vita è bella e di Train de vie, Il bambino con il pigiama a righe non è una favola dove ognuno ha un proprio e preciso ruolo, al contrario nel film di Herman i due universi, quello del Bene e quello del Male, si lambiscono fino a confondersi e a sconvolgersi. Nel Bambino col pigiama a righe è l’inadeguatezza e la debolezza degli adulti, anche di quelli buoni, a obbligare i bambini a prendere in mano il proprio destino e a determinarlo. I padri e le madri non fanno “magie” come il Guido Orefice di Benigni e il Male che li circonda finisce per inghiottire i loro figli e renderli all’improvviso consapevoli. Il regista inglese è abile a evitare gli stereotipi della storia “cattiva” e della contrapposizione tra infanzia idealizzata e abiezioni del mondo adulto, analizzando la durezza di un’epoca (la Germania nazionalsocialista) e di un’età (l’infanzia).
Muovendosi tra trappole d’apparenza ed eludendo clichè, sentimentalismi e scene madri, Herman mette in scena le ingiustizie e i rapporti di forza che si definiscono già nell’età più verde. Attraverso il minimalismo di episodi quotidiani, immersi nella severità dei colori freddi, Il bambino col pigiama a righe svolge la memoria, rivisitandola con soluzioni e libertà che rendono la storia intollerabile e lancinante. Per questa ragione, l’autore “chiude la porta” sulla camera a gas, interponendo fra gli spettatori e il volto della Medusa la pietas di un narrare artistico che consenta di guardarla senza soccombere impietriti, atterriti. Tratto dal romanzo omonimo dell’irlandese John Boyne, Il bambino con il pigiama a righe è un film evocativo di un’epoca nera e tragica, rivista attraverso la psicologia di un’amicizia infantile e di una (pre)matura scelta di campo, complicate da una realtà storica di discriminazioni e di selezioni razziali. Immagini che richiamano per tutti la necessità di frequentare (sempre) la Memoria e di non considerare mai risarcito il debito con il nostro passato.