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The Losers

admin — Mon, 26 Jul 2010 17:29:59 +0000

Un gruppo militare in missione in Bolivia disobbedisce agli ordini della CIA per salvare dei bambini da un bombardamento preordinato. Questi però verranno comunque uccisi e la colpa sarà fatta ricadere su di loro, creduti morti nel medesimo “incidente”. In realtà il gruppo cerca di ritornare in patria e rimettere a posto le cose. L’obiettivo ora diventa scoprire chi ha tentato di fregarli e come potersi riprendere la propria vecchia vita assieme all’onore infangato.Nonostante una serie impressionante di somiglianze con il film della serie tv A-Team, The Losers viene dall’omonima serie a fumetti DC (divisione Vertigo per la precisione) e non nasconde in alcun modo le proprie origini. Banalmente prologo ed epilogo traboccano di fermo immagine con variazioni grafiche nello stile del fumetto originale, mentre con più genio la direzione e lo spirito generale della pellicola cercano di ricreare le dinamiche che più funzionavano su carta. Nel tripudio di film tratti da fumetti che questi ultimi anni ci stanno regalando, The Losers appartiene alle produzioni meno strombazzate, quelle che prendono le mosse dai fumetti più di nicchia e, come spesso capita, sperimenta un modo di adattare il formato “comic” al formato “film” decisamente più audace.Il risultato è un’opera stilisticamente molto legata alle iperboli dell’action movie che da John Woo a Timur Bekmambetov hanno conosciuto una progressiva banalizzazione, Sylvain White tuttavia rimette in gioco queste stesse carte con rinnovati ardore e sapienza, dimostrando di conoscere bene il limite da non superare anche in uno stile che sembra non conoscerne. Il suo furore estetizzante travolge qualsiasi plausibilità, come si conviene, ma riesce anche a trovare in più di un’occasione momenti di insperato ritmo e originalità, in cui l’azione è funzionale all’estetica dei corpi (e della macchina da presa) in movimento, senza mai sfociare nell’autocompiacimento fine a se stesso. The Losers è un film dinamico e gaudiente che abbraccia moltissime semplificazioni e banalità a favore di un divertimento epidermico, immediato e fieramente spensierato.Non è infatti solo lo stile della messa in scena a guardare ad un certo modo di fare fumetto, anche il disegno delle psicologie, le relazioni tra personaggi e ancora di più il modo in cui è raccontata la storia di perdizione e redenzione del vendicativo gruppo, a guardare molto al modo in cui si fa intrattenimento di rapido consumo nell’industria fumettistica. Ancora una volta però interpretando la traduzione da tavola a pellicola in maniera spudorata, The Losers (e per questo va reso merito alla scrittura di Peter Berg, il quale originariamente doveva anche essere regista del film) riesce a regalare sprazzi di stimolante anticonvenzionalità, come con la caratterizzazione del villain di turno, in bilico tra stereotipo e parodia ma sempre in grado di mantenere fede al suo ruolo.

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Predators

admin — Thu, 22 Jul 2010 12:20:36 +0000

Su un pianeta lontano la razza dei Predator ha creato il suo Colosseo senza pubblico. Raccolgono e ammassano esemplari di altre razze (per quanto ne sappiamo più che altro umani), li gettano nella foresta senza spiegazioni e gli danno la caccia apprendendo da loro tecniche e strategie. Quando sul pianeta arriva un gruppo eterogeneo composto da guerriglieri, soldati e mercenari, tutti a modo loro dei predatori nella loro vita terrestre, la faccenda si complica perchè pur non conoscendosi collaboreranno al fine di evitare di cadere vittime e tornare sul pianeta d’origine.
Arrivata al quinto film la saga di Predator, diventata tale solo negli ultimi anni in virtù di una serie di sequel non autorizzati, blandamente attesi e male accolti dagli appassionati, sembra ritrovare lo smalto originale. Dopo un sequel urbano e due altri film in cui addirittura si tentava il crossover con un’altra saga di carattere alieno ora, grazie alla coerenza di Robert Rodriguez si torna al vero senso della storia: raccontare una storia di giungla e caccia, di umanità e nemici nell’ombra.
Sebbene negli ultimi anni i progetti nostalgici di Rodriguez non abbiano sempre brillato per autonomia rispetto ai modelli ricalcati, questa volta, anche in virtù della scelta (forzata) di abdicare il ruolo di regista ad un abilissimo mestierante quale è Nimrod Antal, il risultato è al di là di ogni aspettativa. Predators individua la giusta distanza dal modello originale, ne comprende la forza immediata e l’importanza della presenza fisica dei personaggi ma non lo replica pedissequamente, ne cita score e sequenze cardine ma riuscendo a farne un uso diverso, porta avanti la mitologia interna della saga ma senza dimenticare il motivo per il quale in origine si è raccontata quella storia.
Con una macchina da presa dalla mobilità insolitamente controllata per il genere, Nimrod Antal dimostra di avere qualcosa da dire e di volerlo fare con la messa in scena. Non pone l’accento nè sui protagonisti, nè sui (ben più venerati) cattivi della serie ma sul contesto: la foresta, il pianeta alieno, l’assedio, il predatore che, diventato preda, è costretto ad una caccia inversa. Il risultato è che il film non sembra farsi troppe domande, come è giusto che sia, parte con un attacco fulminante (i migliori primi 120 secondi degli ultimi 10 anni), che è subito una dichiarazione d’intenti, e finisce aprendo a possibili sequel; pretende un aumento di massa muscolare da Adrien Brody e poi lo schiaccia contro gli elementi della natura, lo priva progressivamente delle armi, dei compagni e delle tecnologie ma non opera quella regressione allo stato animale attraverso la quale McTiernan scovava l’elemento umano primigenio e il succo del conflitto con l’alieno, inteso come “altro”.
Visti i risultati e l’indubbia bravura nell’assemblare forze e talenti (Brody è insospettabilmente perfetto), forse Robert Rodriguez dovrebbe dedicarsi anima e corpo al mestiere di produttore.

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Solomon Kane

admin — Thu, 22 Jul 2010 12:11:18 +0000

Solomon Kane è stato un mercenario al servizio di Elisabetta I di Inghilterra. Ha ucciso senza alcuno scrupolo fino a quando non ha incontrato le forze degli Inferi e ha capito di dover diventare un uomo di pace se non voleva perdere la propria anima. Ora, allontanato dal convento in cui aveva trovato rifugio, si trova a dover difendere una fanciulla figlia di chi gli ha dato fiducia. Dovrà tornare ad uccidere.
Alla base dello script c’è un personaggio creato dallo stesso autore che ha inventato Conan il Barbaro: Robert E. Howard. Di tempo ne è passato sugli schermi e la tecnologia disponibile oggi non è quella di un passato pur recente ma che resta comunque passato. Rimane però intatta la voglia di fare spettacolo quasi allo stato puro. Michael J.Bassett trova in James Purefoy (da ricordare come Marco Antonio nella serie Roma) il giusto physique du role. La vicenda non brilla di particolare originalità riproponendo le Forze del Male in modo potremmo dire quasi classico. Cosa distingue allora questo personaggio alla ricerca di se stesso da tanti altri visti nei fantasy di qualità più o meno alta? La differenza sta non tanto negli effetti speciali quanto piuttosto nella descrizione di un’epoca dominata (notiamo bene: in Inghilterra non nella tradizionalmente e iconograficamente cupa Europa del Nord continentale). Neve e pioggia si contendono volti e anime così come è quasi tangibile la sensazione di un secolo pervaso da invasioni e da un senso della morte e dell’occulto che va oltre le facili soluzioni. Costumista e scenografo hanno negli occhi la pittura di quel tempo che a volte citano esplicitamente e in altri casi inseriscono a costruire un clima in cui il senso di colpa domina l’umanità e il terrore (originato dagli uomini così come dalle forze sovrannaturali) pervade le fibre di chi ancora è capace di distinguere e deve decidere da quale parte stare.

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Arma letale

valentinax — Mon, 05 Jul 2010 17:39:37 +0000

Los Angeles. Martin Riggs è un poliziotto vedovo e reduce dal Vietnam, soprannominato “Arma letale” per il pericolo che rappresenta per sé stesso e per i colleghi che gli stanno vicino, poiché compie spesso gesti estremi al limite del suicidio. Per limitarlo, gli viene affiancato un esperto poliziotto, Roger Murtaugh, che a differenza di Riggs ha famiglia, è prossimo alla pensione e ci tiene ad evitare i guai. La non facile convivenza tra i due si cementa col tempo e con la assidua frequentazione anche al di fuori del lavoro.

Il caso principale di cui si occupano i due è la morte della figlia di un commilitone di Murtaugh, ritrovata esanime ai piedi di un grattacielo; questa vicenda verrà presto collegata al giro di droga importata da un boss e in cui lo stesso padre della ragazza è implicato. La vicenda si complica quando viene coinvolta anche la figlia di Roger che viene presa in ostaggio per ricattare quest’ultimo e non farlo intromettere negli sporchi traffici dei malavitosi. I due poliziotti però non si danno per vinti.

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Poliziotti Fuori – Due Sbirri a Piede Libero

admin — Fri, 25 Jun 2010 20:17:59 +0000

Jimmy e Paul sono due poliziotti in coppia da molti anni. Mentre Paul cerca, nelle sue azioni, di imitare i colleghi della finzione cinematografica e televisiva Jimmy è molto più serio. Dopo aver subito l’esonero dal servizio in seguito a un’operazione non andata a buon fine, i due si trovano sulle tracce di un pericoloso capogang. Inoltre Paul è preoccupato per il presunto tradimento da parte della moglie con il vicino di casa mentre Jimmy deve a tutti i costi ritrovare una preziosissima figurina (che gli è stata rubata nel corso di una rapina) la cui vendita gli permetterebbe di sostenere le spese del lussuoso matrimonio della figlia. Se non fosse in grado di pagare sarebbe il nuovo compagno della ex moglie a farlo, umiliandolo.
Se avete già visto coppie di poliziotti buddy-buddy (cioè uno che più diverso dall’altro non si può) e sicuramente le avete già viste, sappiate che qui la storia si ripete. Con un’aggravante. Se pensavate che il tempo delle Scuole di polizia fosse ormai definitivamente trascorso Hollywood, in crisi di idee e con un regista che cerca di guardare al proprio passato soffrendo però di una sorta di strabismo, ve ne ripropone una riedizione stringendo sulla ormai narrativamente usurata coppia di sbirri.
Perché qui il prologo e l’epilogo finiscono con l’essere emblemi di un modo di pensare al cinema come uno spazio pronto a contenere l’arguzia e l’ovvietà purché il tutto si atteggi a narrazione sopra le righe. Ecco allora l’apertura in cui, nel corso dell’interrogatorio condotto da Paul, vengono snocciolate frasi tratte da numerosi film (divertitevi a riconoscerle) e il finale sui titoli di coda in cui si ricorre al demenziale ospedaliero.
Il problema è che la somma di gag, in qualche caso anche divertenti, non produce un totale né originale né tantomeno complessivamente esilarante. Ivi compreso il bambino che calcia il poliziotto (quello nero ovviamente perché fa più ridere (!?)) nelle parti basse.

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A-Team

admin — Sun, 20 Jun 2010 22:04:40 +0000

Messi insieme con sapienza dal colonnello Hannibal Smith sono la squadra più affidabile ed efficiente dell’esercito americano a cui vengono affidate le missioni che paiono irrisolvibili. Un tradimento inaspettato però li trasforma in fuorilegge, costringendoli ad un’evasione e a lottare per dimostrare la propria innocenza in una giungla in cui è impossibile distinguere gli amici dai nemici. Non è una storia dell’A-Team ma la storia di come l’A-Team sia diventato quello che conosciamo.
Fare dell’ominima serie TV un film poteva essere un’impresa anche più improbabile delle omologhe compiute su Starsky & Hutch o Charlie’s Angels, invece Joe Carnahan, applicando il suo registro vorticoso e ipertrofico, azzecca il taglio giusto e confeziona un film indirizzato ad un target tredicenne ma diretto con un’abilità tale da conquistare anche l’adulto pronto a regredire. Infantile ma con stile.
Ibridando con molta forza il cinema d’azione cartoonesco con la commedia americana, grazie a pesanti iniezioni di ironia e umorismo da one-line, A-Team riesce ad essere sufficientemente basso da andare a pizzicare gli istinti più gretti e contemporaneamente sufficientemente magistrale da vincere la ritrosia e i pregiudizi verso questo tipo di prodotti di un pubblico più smaliziato.
I personaggi cardine della serie sono più o meno come li si ricorda, tranne Sberla il quale, probabilmente in virtù della potenza mediatica in continua ascesa dell’attore che lo interpreta (Bradley Cooper), viene piegato per diventare il vero protagonista. Bello e sofisticato come nella serie ma anche uomo d’azione ironico e potente come James Bond, Sberla è l’unico personaggio minimamente approfondito, che sviluppa una storia d’amore e che nutre obiettivi personali al di là di quelli del collettivo. In questo singolo, grosso mutamento sta tutto lo scarto tra un prodotto seriale e uno per il cinema e anche l’abilità del team creativo, modificare un elemento per tenerne costanti altri. Non mancano infatti le sequenze di preparazione del piano, come anche quelle a bordo di diversi mezzi di trasporto, la tradizionale ritrosia di PE (o B.A. a seconda della lingua) Baracus per il volo e il rapporto burrascoso con Murdock (qui più divertente che nella serie).
Al di là però delle ottime strategie di marketing è possibile cominciare ad intravedere un’idea dietro i diversi adattamenti filmici delle serie televisive anni ‘70 e ‘80, ovvero un taglio fortemente ironico, in linea con lo sguardo che lo spettatore di oggi può avere nei loro confronti. Lungi dal cercare di aggiornare certe dinamiche o di rendere più serie di quanto non lo fossero le pretese di azione e intrattenimento, il remake di serie TV ad Hollywood è fatto (e con successo!) puntando sul divertimento quanto più epidermico possibile, in questo di fatto ricalcando il vero spirito di quei prodotti e configurandosi come la forma di remake più interessante nella giungla che popola la produzione recente.
Desta infine grande stupore come un film volutamente disimpegnato come A-Team voglia prendere una posizione politica di granito. Il cattivo qui è indubbiamente la CIA e non uno dei suoi membri bensì l’istituzione tutta. Gli uomini della CIA ricordano i russi degli anni ‘80 per come sono ritratti: tutti uguali, poco intelligenti, poco leali, poco furbi, viscidi, sadici, egoisti e dotati dei principali difetti umani. Già Green zone, con più cognizione di causa e più motivazioni, lanciava un attacco forte ma ora che anche un film mainstream dal grande incasso non disdegni di lanciare strali fa intravedere come Hollywood sembri aver scelto da che parte stare.

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Diamond 13

admin — Sat, 12 Jun 2010 15:49:43 +0000

Mat é poliziotto alla divisione criminale. Personaggio solitario e tormentato, riceve la chiamata di un vecchio amico, Franck, che gli propone un piano per deviare dei soldi sporchi. Potrebbe essere la svolta della sua vita o l’inizio di un calvario…
Con alti e bassi il polar, il poliziesco alla francese, sta vivendo una nuova età dell’oro. Preso tra le referenze letterarie e il suo glorioso passato cinematografico, il genere ha visto negli ultimi anni una rinascita sia sul grande schermo che in televisione (con serie come Braquo e Pigalle la nuit). Seppur mediocre, Diamant 13 ne dimostra la vitalità. Si tratta esplicitamente di una pellicola alla Olivier Marchal, con Olivier Marchal e prodotto da Olivier Marchal (che é, lo ricordiamo, il regista di 36 Quai des Orfevres e L’ultima missione).
Tuttavia, la regia affidata a Gilles Béhat, che ha diretto una stagione di Paris Enquête Criminelle, manca di sobrietà, ci propone dei cliché consolidati lasciando poco spazio all’immaginazione. Anversa e Lussemburgo sembrano dunque Los Angeles e la sceneggiatura non dimentica i locali jazz, i poliziotti corrotti, il commissario dai metodi violenti (a cui Gérard Depardieu si dedica comunque con passione) e le donne fatali (Asia Argento).
Meno sentito di un vero film di Marchal, ne sembra un po’ una copia meno appassionante e ben costruita. Eppure é proprio questa sua mancanza di spunti originali a mostrare la forza del genere poliziesco francese. Se la macchina da presa si muove perpetuamente come in una fiction, la pellicola di Béhat é comunque un polar autentico, nel senso letterale del termine. Nel rispettare tutte le logiche del genere indica come questo sia superiore al caso particolare.
Diamant 13 é allora uno di quei film dove si trova tutto quello che si stava cercando, pur lasciando la sensazione che forse si poteva avere anche qualcosa di più.

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Universal Soldier: Regeneration

admin — Sat, 12 Jun 2010 11:38:01 +0000

Un gruppo armato, che rivendica la liberazione di combattenti per l’indipendenza di uno dei tanti territori rimasti sotto l’influenza russa dopo il crollo dell’URSS, sequestra i figli del presidente russo. I terroristi minacciano anche di far saltare la infaustamente storica centrale di Cernobyl se le loro richieste non saranno accolte. Viene creata una task force russo statunitense pronta ad intervenire. Di essa fanno aprte anche quattro Universal Soldier (soldati morti e rigenerati praticamente imbattibili). Anche l’avversario però ne possiede uno creato da uno scienziato mercenario. Nel frattempo Luc Devereaux, Universal Soldier del passato, è sottoposto a un lungo processo psicologico per il suo reinserimento nella società. Anche il suo rivale Andrew Scott ritornerà in azione. I due sono destinati a incontrarsi.
Correva l’anno 1992 quando un Emmerich in trasferta hollywoodiana ci proponeva I nuovi eroi (questo il titolo italiano). Nel frattempo i soldati imbattibili hanno fatto in tempo ad avere un ritorno e ora risorgono. Ne valeva la pena? All’inizio, vedi la sequenza del sequestro dei due figli del presidente russo, si direbbe di sì. La sequenza di azione è ben girata e ricca di tensione. Il seguito (collocazione a Cernobyl a parte con quel sapore di archeologia industriale) risulta già visto. Ci sono i terroristi con un capo determinato, ci sono i buoni, ci sono i due scienziati dai lati opposti (uno dei quali perfido all’ennesima potenza). Ci sono poi i due eroi i quali però si risparmiano al massimo. Se contassimo i minuti di loro presenza sullo schermo vincerebbe Van Damme ma su una durata complessiva che non supera la mezzora.
Nel frattempo non ci vengono ovviamente risparmiate riunioni per decidere che fare, counter che ci avvicinano all’esplosione e scontri senza esclusione di colpi. Non ci viene neppure risparmiata una (citazione? ma figurarsi!) copia spudorata di una delle scene cult di Blade Runner . Il che marca ancora di più la differenza di qualità. Attenzione: si prevede un ulteriore seguito.

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Prince of Persia: Le sabbie del tempo

admin — Thu, 27 May 2010 21:37:03 +0000

Nei territori dell’antica Persia, il piccolo Dastan è un orfano che viene sorpreso dalle guardie imperiali a rubare una mela al mercato. Presente alla scena, il re Sharaman nota con ammirazione il coraggio e l’incredibile destrezza del ragazzo, decidendo così di risparmiargli la mano e di accoglierlo a palazzo. Sedici anni dopo, Dastan viene considerato un nobile principe di Persia assieme ai due diretti discendenti del re, Tus e Garsiv, anche se le sue abitudini restano quelle di un ragazzo del popolo. Quando lo zio Nizam annuncia che nella città santa di Alamut vengono nascoste armi per i nemici della Persia, i tre principi conducono un attacco alla città e la espugnano grazie soprattutto all’intervento di Dastan. La principessa di Alamut, la bella Tamina, respinge le accuse dell’esercito invasore, ma le sue maggiori preoccupazioni sono rivolte verso un pugnale dal manico in vetro sottratto durante la battaglia dal giovane principe.
Da quando la Disney ha deciso di sopperire al declino delle sue opere d’animazione lavorando in sinergia con il produttore di blockbuster Jerry Bruckheimer, la sintesi chimica che ne è venuta fuori ha visto unirsi il tocco magico delle fiabe con la frenesia adrenalinica di Bad Boys, il fantastico più mirabolante con il muscolare più spinto. Così, dopo la riscoperta del genere piratesco in funzione fantasy dei Pirati dei Caraibi e la caccia al tesoro intorno al mondo de Il mistero dei Templari, Disney e Bruckheimer lanciano un nuovo possibile franchise che attinge in parti uguali dal romanticismo delle avventure esotiche, dal mondo dei videogiochi e dai loro stessi patrimoni.
La fonte d’ispirazione videoludica è un brand che permette di sviluppare una continuità tanto con l’universo di Topolino che con il fantasy-action più moderno: il principe Dastan di Jake Gyllenhaal è un Aladdin in carne e ossa dotato di un’agilità e una capacità di destrezza consentite unicamente dalla mobilità di un joypad, così come la storia magica che consente di riavvolgere il tempo e di scatenare un vero e proprio Armageddon di fuoco, vento e sabbia, pare fuoriuscire direttamente da un roboante finale di un’avventura disneyana. Non potendo contare né sul simpatico carisma del Capitan Sparrow, né sugli enigmi nascosti nella Storia statunitense, Mike Newell spinge al massimo le dinamiche apprese sul set di Harry Potter e gioca sul continuo incalzare delle azioni. La prevalenza di piani stretti, il montaggio ipercinetico, perfino le schermaglie amorose di Dastan e Tamina fra una sequenza d’azione e l’altra: tutto è finalizzato a mantenere il fiato corto e a tenere alte le soglie dei sensi. Ma non è solo la componente dinamico-estetica a cercare di mantenere il passo accelerato della contemporaneità, ma anche la politica, che vede l’esercito del regno invadere una roccaforte iraniana perché sospettata di nascondere armi delle forze ribelli e un bislacco sceicco proprietario di struzzi da corsa lamentarsi della situazione dei piccoli imprenditori. È però la grana grossa di questi vari elementi a rischiare di inceppare la clessidra del film e a non permettere a questa rivisitazione sinceramente (video)ludica de “Le mille e una notte” di scorrere fluidamente.
Anche se Prince of Persia cerca attraverso l’esuberanza di esercitare una pressione costante, è la mancanza di un’omogeneità fra le varie sequenze e nelle dinamiche fra i personaggi (con la sola eccezione di Gyllenhaal e della Arterton) a non dar vita ad uno spettacolo integro e pienamente appassionante. L’atteggiamento spavaldo e rutilante si impegna da solo a lasciare il segno, ma alla fine pare proprio che il destino della propria avventura sia scritto sulla sabbia.

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Le ultime 56 ore

admin — Mon, 24 May 2010 11:22:41 +0000

Cinque anni dopo l’intervento militare nei territori del Kosovo, molti membri dell’esercito italiano riportano gravi malformazioni e malattie tumorali. Di fronte all’agonia del marito, la dottoressa Ferri fa giurare a un altro reduce, il Colonnello Moresco, che farà qualunque cosa per far emergere la verità sulle implicazioni fra l’uranio degli armamenti bellici e la proliferazione dei tumori nell’esercito. Nella stessa città, Catania, il vicequestore Manfredi, un abile negoziatore poco incline ai protocolli della polizia, deve gestire una figlia adolescente e una crisi coniugale con una moglie che ama ancora. La tragicità del fato farà incrociare i destini del militare e del poliziotto all’interno di un ospedale.
Nel cinema di genere vige una regola non scritta: non c’è niente che perori una causa umanitaria con più forza e disperazione di un sequestro condotto in nome di una battaglia civile. Nelle sue ultime 56 ore, Fragasso ha il tempo per rievocare tutto quel cinema d’azione incentrato sulle forze dello Stato che si ribellano contro le ingiustizie e i silenzi dello stesso. Ripercorrendo il sentiero tracciato non solo dal poliziottesco italico degli anni Settanta, ma anche da molto cinema americano contemporaneo come Il negoziatore, John Q e Inside Man, il film di Fragasso e della fidata compagna Rossella Drudi prende in ostaggio da più parti idee, ritmo, stile visivo e suggestioni narrative. La posta in gioco però si alza e i gesti estremi di questa cellula impazzita dello Stato non si fermano al sentimentalismo universale ma cercano una motivazione nella cronaca più attuale. Questo doppio registro, al contempo socio-politico e melodrammatico, si articola nelle storie parallele dei due personaggi protagonisti: più improntata alle logiche dell’action e degli affetti familiari quella dello sbirro Luca Lionello, più dalla parte dell’impegno e della sensibilizzazione quella del militare Gianmarco Tognazzi. Il loro incontro, ciò che in teoria costituirebbe il nucleo del film e che viene invece ritardato fino all’ultima parte, riflette gli stessi difetti della sovrastruttura e dell’incrocio più ampio fra impegno civile e logica di intrattenimento. Non si può dire che Fragasso manchi di coerenza: tanto le sequenze d’azione quanto quelle del melodramma familiare, tanto l’operazione di denuncia quanto la stima per le gerarchie e per il rispetto della disciplina, sono marcate dalla medesima enfasi, da una voce grossa e una brutale chiarezza di linguaggio. Tuttavia, il paradosso di tale solennità sia civica che ludica è che, fra l’esplosione di una granata e un testamento biologico, fra una scarica di mitra e un sequestro condotto in nome di una giusta causa, diviene difficile sciogliere ogni ambiguità in merito alla portata effettiva del messaggio del film.
Quel che manca è (verrebbe ingenuamente da dire) capire chi sia il “cattivo”, contro chi si stiano dirigendo il peso delle accuse e la forza di tale grido. Il finale del film parrebbe tentare di definire in extremis questo aspetto, ma è l’abbraccio irrimediabile di cinema e istituzioni politiche a non permettere tali libertà e a far sì che ogni accusa precisa rimanga ben confinata nella zona franca della drammaturgia.

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