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The Losers

admin — Mon, 26 Jul 2010 17:29:59 +0000

Un gruppo militare in missione in Bolivia disobbedisce agli ordini della CIA per salvare dei bambini da un bombardamento preordinato. Questi però verranno comunque uccisi e la colpa sarà fatta ricadere su di loro, creduti morti nel medesimo “incidente”. In realtà il gruppo cerca di ritornare in patria e rimettere a posto le cose. L’obiettivo ora diventa scoprire chi ha tentato di fregarli e come potersi riprendere la propria vecchia vita assieme all’onore infangato.Nonostante una serie impressionante di somiglianze con il film della serie tv A-Team, The Losers viene dall’omonima serie a fumetti DC (divisione Vertigo per la precisione) e non nasconde in alcun modo le proprie origini. Banalmente prologo ed epilogo traboccano di fermo immagine con variazioni grafiche nello stile del fumetto originale, mentre con più genio la direzione e lo spirito generale della pellicola cercano di ricreare le dinamiche che più funzionavano su carta. Nel tripudio di film tratti da fumetti che questi ultimi anni ci stanno regalando, The Losers appartiene alle produzioni meno strombazzate, quelle che prendono le mosse dai fumetti più di nicchia e, come spesso capita, sperimenta un modo di adattare il formato “comic” al formato “film” decisamente più audace.Il risultato è un’opera stilisticamente molto legata alle iperboli dell’action movie che da John Woo a Timur Bekmambetov hanno conosciuto una progressiva banalizzazione, Sylvain White tuttavia rimette in gioco queste stesse carte con rinnovati ardore e sapienza, dimostrando di conoscere bene il limite da non superare anche in uno stile che sembra non conoscerne. Il suo furore estetizzante travolge qualsiasi plausibilità, come si conviene, ma riesce anche a trovare in più di un’occasione momenti di insperato ritmo e originalità, in cui l’azione è funzionale all’estetica dei corpi (e della macchina da presa) in movimento, senza mai sfociare nell’autocompiacimento fine a se stesso. The Losers è un film dinamico e gaudiente che abbraccia moltissime semplificazioni e banalità a favore di un divertimento epidermico, immediato e fieramente spensierato.Non è infatti solo lo stile della messa in scena a guardare ad un certo modo di fare fumetto, anche il disegno delle psicologie, le relazioni tra personaggi e ancora di più il modo in cui è raccontata la storia di perdizione e redenzione del vendicativo gruppo, a guardare molto al modo in cui si fa intrattenimento di rapido consumo nell’industria fumettistica. Ancora una volta però interpretando la traduzione da tavola a pellicola in maniera spudorata, The Losers (e per questo va reso merito alla scrittura di Peter Berg, il quale originariamente doveva anche essere regista del film) riesce a regalare sprazzi di stimolante anticonvenzionalità, come con la caratterizzazione del villain di turno, in bilico tra stereotipo e parodia ma sempre in grado di mantenere fede al suo ruolo.

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Flicka 2

admin — Wed, 23 Jun 2010 21:56:47 +0000

Quando la nonna con cui vive si ammala, la giovane skater Carrie McLaughlin si trasferisce nel ranch del padre, nel Wyoming. La ragazza, infelice e sola, trova come unica amica una cavalla selvaggia di nome Flicka con cui nasce un legame fortissimo. Quando Flicka viene portata via e si trova in pericolo di vita, sarà Carrie a fare di tutto per riportarla a casa sana e salva.

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Prince of Persia: Le sabbie del tempo

admin — Thu, 27 May 2010 21:37:03 +0000

Nei territori dell’antica Persia, il piccolo Dastan è un orfano che viene sorpreso dalle guardie imperiali a rubare una mela al mercato. Presente alla scena, il re Sharaman nota con ammirazione il coraggio e l’incredibile destrezza del ragazzo, decidendo così di risparmiargli la mano e di accoglierlo a palazzo. Sedici anni dopo, Dastan viene considerato un nobile principe di Persia assieme ai due diretti discendenti del re, Tus e Garsiv, anche se le sue abitudini restano quelle di un ragazzo del popolo. Quando lo zio Nizam annuncia che nella città santa di Alamut vengono nascoste armi per i nemici della Persia, i tre principi conducono un attacco alla città e la espugnano grazie soprattutto all’intervento di Dastan. La principessa di Alamut, la bella Tamina, respinge le accuse dell’esercito invasore, ma le sue maggiori preoccupazioni sono rivolte verso un pugnale dal manico in vetro sottratto durante la battaglia dal giovane principe.
Da quando la Disney ha deciso di sopperire al declino delle sue opere d’animazione lavorando in sinergia con il produttore di blockbuster Jerry Bruckheimer, la sintesi chimica che ne è venuta fuori ha visto unirsi il tocco magico delle fiabe con la frenesia adrenalinica di Bad Boys, il fantastico più mirabolante con il muscolare più spinto. Così, dopo la riscoperta del genere piratesco in funzione fantasy dei Pirati dei Caraibi e la caccia al tesoro intorno al mondo de Il mistero dei Templari, Disney e Bruckheimer lanciano un nuovo possibile franchise che attinge in parti uguali dal romanticismo delle avventure esotiche, dal mondo dei videogiochi e dai loro stessi patrimoni.
La fonte d’ispirazione videoludica è un brand che permette di sviluppare una continuità tanto con l’universo di Topolino che con il fantasy-action più moderno: il principe Dastan di Jake Gyllenhaal è un Aladdin in carne e ossa dotato di un’agilità e una capacità di destrezza consentite unicamente dalla mobilità di un joypad, così come la storia magica che consente di riavvolgere il tempo e di scatenare un vero e proprio Armageddon di fuoco, vento e sabbia, pare fuoriuscire direttamente da un roboante finale di un’avventura disneyana. Non potendo contare né sul simpatico carisma del Capitan Sparrow, né sugli enigmi nascosti nella Storia statunitense, Mike Newell spinge al massimo le dinamiche apprese sul set di Harry Potter e gioca sul continuo incalzare delle azioni. La prevalenza di piani stretti, il montaggio ipercinetico, perfino le schermaglie amorose di Dastan e Tamina fra una sequenza d’azione e l’altra: tutto è finalizzato a mantenere il fiato corto e a tenere alte le soglie dei sensi. Ma non è solo la componente dinamico-estetica a cercare di mantenere il passo accelerato della contemporaneità, ma anche la politica, che vede l’esercito del regno invadere una roccaforte iraniana perché sospettata di nascondere armi delle forze ribelli e un bislacco sceicco proprietario di struzzi da corsa lamentarsi della situazione dei piccoli imprenditori. È però la grana grossa di questi vari elementi a rischiare di inceppare la clessidra del film e a non permettere a questa rivisitazione sinceramente (video)ludica de “Le mille e una notte” di scorrere fluidamente.
Anche se Prince of Persia cerca attraverso l’esuberanza di esercitare una pressione costante, è la mancanza di un’omogeneità fra le varie sequenze e nelle dinamiche fra i personaggi (con la sola eccezione di Gyllenhaal e della Arterton) a non dar vita ad uno spettacolo integro e pienamente appassionante. L’atteggiamento spavaldo e rutilante si impegna da solo a lasciare il segno, ma alla fine pare proprio che il destino della propria avventura sia scritto sulla sabbia.

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Aiuto vampiro

admin — Sun, 09 May 2010 13:29:49 +0000

Il 14enne Darren (Chris Kelly) è un ragazzo come un altro del suo quartiere residenziale in una città americana. Ha buoni amici, è bravo a scuola e tende a non mettersi nei guia. Quando però lui e il suo amico Steve s’imbattono in un freak show itinerante, tutto è destinato a cambiare. Darren e Steve visitano la bizzarra manifestazione, e di fronte a donne barbute e lupi mannari se la ridono pensando che si tratti di una grande beffa. Almeno quando non s’imbattono in un vampito, Larten Crepsley (John C. Reilly): di fronte a lui Steve impallidisce e scappa via. Si è infatti accorto che Larten è un vero vampiro e in segreto si incontra con lui per chiedergli di poter diventare il suo apprendista. Darren assiste di nascosto all’incontro e ascolta il vampiro rifiutare l’offerta del suo amico. Il giorno dopo i due ragazzi fanno ritorno al circo, dove Steve viene morso dal ragno velenoso di Larten: Darren chiede al vampiro di salvare il suo amico e questi accetta a patto che sia lui a diventare il suo apprendista. Darren diviene così un giovane vampiro ed entra a far parte del freak show itinerante, parte integrante di una guerra millenaria che contrappone i vampiri ai loro acerrimi rivali: i vampanesi.

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Agorà

admin — Sun, 25 Apr 2010 23:47:14 +0000

Alessandria d’Egitto. Seconda metà del IV secolo dopo Cristo. La città in cui convivono cristiani, pagani ed ebrei è anche un vivo centro di ricerca scientifica. Vi spicca, per acume e spirito di indagine, la giovane Ipazia, figlia del filosofo e geometra Teone. Ipazia tiene anche una scuola in cui l’allievo Oreste cerca di attirare la sua attenzione. C’è però anche un giovane schiavo, Davus, attratto dalla sua bellezza e dalla sua cultura. Col trascorrere degli anni la tensione tra gli aderenti alle diverse religioni diviene sempre più palese e finisce col divampare vedendo il prevalere dei cristiani i quali godono ormai della compiacenza di Roma (anche se non di quella di Oreste divenuto prefetto). Guidati dal vescovo Cirillo e avvalendosi del braccio armato costituito dai fanatici monaci parabalani, i cristiani riescono ad annullare la presenza delle altre forme di religione e intendono regolare i conti con il pensiero che oggi definiremmo ‘laico’ di Ipazia.a
Ci sono fasi della storia del cattolicesimo che sono rimaste nell’ombra e sicuramente quella della presa di potere da parte dei cristiani di Alessandria, guidati da un vescovo autoritario e violento salito anche all’onore degli altari, appartiene al versante di cui non è il caso di andare fieri e neppure di cercare alibi in una diversa sensibilità rispetto al passato remoto. Il cinema, quando gliene viene offerta l’opportunità, fa bene a fare luce anche su questi aspetti. Se si prende delle licenze narrative può anche essere giustificato da esigenze di trasposizione. Quella che però non può essere in alcun modo apprezzata è la scelta linguistica adottata in questa occasione da un pur apprezzato regista quale è Alejandro Amenabar.
Dinanzi a una tematica così complessa il regista spagnolo sceglie la via del “peplum post litteram” in cui tutto è palesemente finto e si finisce con l’attendere il Maciste di turno che faccia crollare le colonne di gommapiuma del lontano passato di Cinecittà. L’eroina è proprio bella (e muore nuda), i cattivi sono cattivi che più non si può (e sono tutti dalla parte dei cristiani) e non c’è costume a cui manchi il cartellino della tintoria. Se ci si aggiunge qualche lezioncina sull’astronomia del tempo e qualche scontro armato dilatato per fare metraggio si raggiunge la durata giusta per un passaggio televisivo in due parti. Ma ci sono miniserie tv come Empire che hanno meno pretese e una resa perlomeno uguale.

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Alice In Wonderland

admin — Fri, 12 Mar 2010 00:04:33 +0000

Alice teme di essere pazza. Da quando è piccola continua a fare sempre lo stesso sogno, non sta mai attenta quando le parlano, è diversa dal resto della buona società che frequenta e non si integra nelle regole del suo mondo. Affinchè non rimanga zitella come la zia, che senza marito pazza lo è diventata sul serio, i parenti le combinano il matrimonio con un ottimo partito: un giovanotto integrato, conformato, di nobile lignaggio e con qualche problema digestivo. Al grande ricevimento nel quale le verrà fatta la proposta però le visioni di Alice si fanno insistenti, il ticchettio di un orologio sembra ossessionarla e sul più bello vede comparire un coniglio in doppiopetto che le indica che è oramai tardi. Alice lo segue nella sua tana e finisce in quel mondo che aveva sognato fin da piccola, dove scopre che esiste una profezia riguardo una sua omonima la quale, con l’aiuto del Cappellaio Matto, del Coniglio Marzolino ecc. ecc. sconfiggerà una creatura malvagia liberando il regno dalla tirannia della Regina Rossa e riportando al trono la sorella più bella, la Regina Bianca.
La produzione è sempre Disney ma siamo totalmente da un’altra parte rispetto al cartone animato del 1951. Benchè la storia ancora una volta mescoli elementi da i due libri di Lewis Carrol: “Le avventure di Alice nel paese delle meraviglie” e “Attraverso lo specchio e quel che Alice vi trovò”, il mix è inedito. Questa volta l’andamento psichedelicamente caotico per il quale solo perdendosi completamente Alice riusciva a trarre qualcosa dal suo peregrinare è scartato a favore di una trama decisamente più canonica. Arrivata nel paese delle meraviglie Alice ha un destino già scritto, ha una missione e un nemico da sconfiggere.
Dunque non solo non siamo dalle parti dei testi originali ma non siamo nemmeno dalle parti dei film di Tim Burton, nei quali solitamente il protagonista è un outsider che trova in un luogo oscuro e apparentemente ostile il suo vero habitat perchè più sincero ed autentico dei conformismi borghesi cui era abituato. Alice si trova male nel mondo reale perchè è diversa mentre nel mondo delle meraviglie lotterà per riportare lo status quo, per normalizzare quel luogo dalla tirannia folle della Regina Rossa. Peccato che proprio la Regina Rossa sia la vera outsider: sorella maggiore brutta e dalla testa troppo grande che è sempre stata all’ombra della sorella minore, tanto carina e amabile quanto cretina e impalpabile, e che non riuscendo a farsi amare preferisce essere odiata. Ecco perchè dopo un inzio fantastico, che entra di diritto tra le cose migliori che Tim Burton abbia mai girato, il resto del film è una continua delusione. La parte nel paese delle meraviglie è un percorso verso il conformismo di un personaggio ritenuto matto che, come in un film fantasy, subisce una profezia che si deve avverare, ha un’armatura, una spada, nemici mitologici e via dicendo.
E a poco purtroppo servono le molte interessanti intuizioni visive, le mille piccole raffinatezze di scenografia (praticamente tutta in computer grafica), di costumi e di trucco di fronte ad una parabola disneiana nel senso più deteriore del termine, per la quale l’eroina del caso trova la strada che era stata decisa per lei invece di forgiarne una con le proprie mani o secondo i propri gusti.
Di certo non aiutano un 3D realizzato tutto in postproduzione e abbastanza inutile (almeno il 50% del film ne è privo tanto che se guardato senza occhiali non presenta il classico effetto “doppio”) e momenti come la “deliranza” del Cappellaio Matto, che da sola è probabilmente la punta più bassa di tutto il cinema di Tim Burton e di quello di Johnny Depp messi insieme.

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Il Richiamo Della Foresta 3D

admin — Wed, 03 Mar 2010 23:37:34 +0000

È un percorso di formazione quello che si appresta a compiere Ryann (Ariel Gade, “il cui casting è stato il più difficile”, assicura il regista), capricciosa bambina bostoniana che viene affidata controvoglia al nonno (il Christopher Lloyd di Ritorno al futuro) durante le vacanze in Europa dei genitori. Bill, nonno affabile e tradizionalista, abita in una baita immersa nei boschi innevati del Montana, ed è proprio la vita del posto, che scorre uguale a sé stessa, ad annoiare l’imbronciata ragazzina, abituata a ben altri passatempi che non fare pupazzi di neve o raccogliere pigne. La vita in città per Ryann trascorreva cercando l’approvazione delle odiose compagne di scuola sempre all’ultima moda e attaccando sul quaderno dei desideri le foto degli oggetti da possedere, tra cui cellulari e vestiti. Dopo lo scetticismo iniziale, che le fa liquidare la natura da favola che la circonda con un “ci sono solo alberi e neve”, Ryann inizia ad appassionarsi alla vita di montagna; a rendere possibile il cambiamento, il ritrovamento di un cane ferito (incrocio con un lupo selvatico) a cui la bimba si affeziona da subito e di cui si prende cura con un ritrovato entusiasmo.
L’episodio che mette in moto la trama è la rivendicazione, da parte di un uomo perfido fin nel midollo, del cane-lupo in questione (uno splendido husky dagli occhi di ghiaccio); fiutando la possibilità di sfruttare l’energia dell’husky guarito per vincere le corse di slitte trainate da cani, l’uomo recrimina il possesso dell’animale; interviene nella disputa uno sceriffo donna (uno dei pochi elementi non stereotipati della pellicola) che stabilisce che i due contendenti dovranno gareggiare in slitta e il vincitore si aggiudicherà Buck. Questo è il nome che nel frattempo Ryann ha dato all’husky; e questo è anche il nome del cane protagonista del classico di Jack London, “Il richiamo della foresta”, di cui ogni sera il nonno legge qualche pagina alla sua “cucciola”. La lettura del libro è accompagnata da immagini del Buck attuale che compie le azioni descritte nel libro; è questa metanarrazione l’aspetto più interessante del film, che per il resto non offre niente di nuovo al genere dell’avventura familiare dai buoni sentimenti. D’altronde il film si rivolge prettamente ai più piccoli, i quali forse qualcosa di edificante da esso possono trarre: tra i tanti detti popolari e le scene strappalacrime (una su tutte quella del maglione fatto ricucire dalla defunta moglie del nonno prima di morire), l’insegnamento più intelligente che il film regala ai più e ai meno piccoli è quello di non sradicare un animale dal suo habitat per far felici sé stessi, di rispettarlo lasciandolo dove è meglio che rimanga (magari accontentandosi di un più mansueto e meno esigente barboncino, a cui Ryann darà il nome Cucciola, scrollandosi così di dosso il nomignolo con cui il nonno si ostinava a chiamarla rifiutandosi di comprendere il suo imbarazzo).
Il film non regala colpi di scena che facciano sospettare una conclusione diversa dal lieto fine che in questi casi è d’obbligo, come d’obbligo è la contrapposizione manichea tra bene e male, buoni e cattivi, che farà sì che alla fine sia collocata nella sfera dei buoni a tutto tondo anche la piccola protagonista, che nel frattempo avrà imparato ad apprezzare le cose semplici e a riconoscere i valori importanti; suggella questa appartenenza uno stucchevole “Ti voglio bene nonno” finale.

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Avatar [Alta Qualità]

admin — Sun, 17 Jan 2010 22:03:46 +0000

Jake Sully è un marine costretto su una sedia a rotelle che accetta di trasferirsi sul pianeta Pandora (distante 44 anni luce dalla Terra) in sostituzione del fratello morto. Costui era uno scienziato la cui missione era quella di esplorare il pianeta mediante un avatar. Essendo l’atmosfera del pianeta tossica per gli umani sono stati creati degli esseri simili in tutto e per tutto ai nativi che possono essere ?guidati’ dall’umano che si trova al sicuro dentro la base. Pandora però non è solo un luogo da studiare. È soprattutto un enorme giacimento di un minerale prezioso per la Terra su cui la catastrofe ecologica ha ridotto a zero le fonti di energia. Uomini d’affari avidi e militari si trovano così uniti nel tentativo di spoliazione del pianeta. C’è però un problema: gli indigeni Na’vi non hanno alcuna intenzione di farsi colonizzare. Il compito iniziale dell’avatar di Jake sarà quello di conoscerne usi e costumi e di farsi accettare all’interno delle loro comunità. Sarà così in grado di riferire se sia possibile sottometterli. Jake conosce così Neytiri, una guerriera Na’vi figlia del capo tribù. Da lei impara a divenire un guerriero molto diverso dal marine che è stato e se ne innamora ricambiato. Da quel momento la sua visione dell’impresa cambia.
James Cameron è tornato e, ancora una volta, ha lanciato la sua sfida molto personale al mondo del cinema. Così come in Titanic, snobbato a torto dalla critica più vetero-conservatrice, anche in Avatar decide di basare l’impresa su una sceneggiatura che a un primo sguardo non può non apparire decisamente semplice (anche se chi ha fatto facili e ironici riferimenti a Pocahontas ha dimenticato che la giovane indiana d’America visse, nella sua storia d’amore con John Rolfe, il percorso esattamente opposto a quello qui narrato).
Cameron si rivela, proprio grazie agli stereotipi narrativi di cui fa ampio uso, un vero autore. Potrebbe sembrare un ossimoro ma non è così. Perché pesca citazioni a piene mani dalla storia del cinema (non rinunciando, ad esempio, a citarsi richiamando in servizio la Sigourney Weaver, un tempo Ripley, offrendole un’entrata in scena provocatoria con sigaretta accesa o attingendo per il personaggio di Tsu’tey al Vento nei Capelli di Balla coi lupi) ma riesce a trasferirle nelle proprie ossessioni narrative. Che sono quelle (tanto per citarne solo alcune) della scoperta di ?Nuovimondi’ da Abyss al già citato Titanic o del cosa significhi sentirsi alieno e sul cosa accade quando la prospettiva si rovescia.
Ma è soprattutto il mistero delle dinamiche organiche naturali e del loro rapporto con la Scienza e con i suoi prodotti (siano essi macchine come in Terminator o corpi che sono al contempo un sé e un ?altro da sé’ come gli avatar) che lo affascina. Non facendogli però dimenticare che al pubblico (anche al più vasto, indispensabile per riassorbire gli enormi capitali investiti e trarre un profitto) non è sufficiente offrire la tecnologia più avanzata (che qui non manca). Non basta ?stupirlo’.
Anche se nel modo più accessibile è fondamentale suscitare un pensiero. In Titanic ci si immergeva alla ricerca di un tesoro e se ne riportava invece una traccia di memoria (il ritratto) che spingeva poi lo spettatore a interrogarsi su una nave che diveniva, senza superflue sottolineature, il simbolo della divisione in classi di una società. In Avatar, pensato 15 anni fa ma realizzato negli ultimi 4, la recente lezione della guerra in Iraq lascia le sue tracce profonde. Ancor più del discorso ecologico che sottende tutto il film (con la sua visione di un’energia panica da rispettare) è quello sulla facile etichettatura di nemici applicabile a coloro che posseggono le fonti energetiche che abbisognano ai più forti che maggiormente segna la narrazione. È storia di sempre, si dirà, già vista (al cinema) e sentita. Ma ci vogliono registi capaci di osare, consapevoli che tutte le storie sono già state narrate ma che alcune meritano di essere ribadite con tutta la forza della spettacolarità che è possibile mettere in campo.
Avatar non sarà il film che rivoluzionerà la storia del cinema ma Cameron merita rispetto e ammirazione. Sa perché e su quali temi rischiare, in un’epoca in cui la grande maggioranza cerca l’incasso sicuro. Onore al merito.

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La Battaglia Dei Tre Regni [Alta Qualità]

admin — Thu, 14 Jan 2010 21:47:26 +0000

III secolo d.C.: il primo ministro Cao Cao muove guerra ai regni del sud della Cina per annetterli all’Impero: questi dovranno unire le loro forze per resistere all’invasore. Sembra che John Woo se ne sia stato assiso su un trono ad osservare una sequela di colleghi (Zhang Yimou, Chen Kaige, Ang Lee, Feng Xiaogang, Ching Siu-tung) che si cimentavano con wu xia pian sempre più imponenti e spettacolari prima di scendere in campo e rimettere ordine nelle gerarchie.
Woo torna a casa, dopo le luci e le ombre di una lunga trasferta hollywoodiana – che in fondo di film davvero destinato a restare, all’altezza dei suoi migliori, ci ha regalato solo Face Off – e lo fa da leader indiscusso.
Il romanzo dei tre regni è uno dei testi fondamentali dell’epos cinese e Woo lo affronta senza badare a spese – ottanta milioni di dollari fanno del film la produzione più costosa della storia del cinema cinese – e cercando di convogliare nel kolossal tutte le sfaccettature di uno stile peculiare, a volte discusso, ma senza dubbio unico. L’edizione internazionale è molto più corta di quella di quasi quattro ore uscita in Cina, ma i pur abbondanti tagli non snaturano il senso profondo dell’opera.

Storia di (super)uomini, di amicizie virili che nascono e si consolidano in breve tempo, eccessi affrontati senza alcun timore (lo zoom per evidenziare i timori dell’Imperatore), i consueti omaggi a Sergio Leone – fino alla goccia d’acqua che indica la direzione del vento – e a John Ford. Ma soprattutto coreografie action (supportate dalla perizia di Corey Yuen) in cui far emergere il dinamismo boccioniano degli eroi e scene di battaglia girate con una perizia e un amore per il dettaglio come non se ne vedevano dal Bondarciuk di Waterloo.
Testuggini da De bello gallico, specchi ustori memori di Archimede, assalti navali degni della flotta ateniese che imbriglia l’Impero di Serse: ovvero il John Woo che da sempre ama iniettare elementi dell’Occidente in un corpus che rimane, e non potrebbe essere altrimenti, figlio dell’Oriente. L’interpretazione dei quattro elementi fondamentali e della loro mutevole natura – uno dei topoi wu xia per antonomasia, da King Hu in poi – gioca un ruolo chiave nell’esito della battaglia, sancendo il trionfo dell’umanità capace di convivere con il mondo circostante e la sua bellezza sulla macchina mortifera del potere e della sopraffazione. E se gli effetti digitali non sempre sono all’altezza, è il fattore umano a colmare ogni lacuna. Anche in virtù di un casting all stars capace di rimettere fianco a fianco Takeshi Kaneshiro e Tony Leung, i due poliziotti innamorati di Hong Kong Express, rispettivamente nella parte dello stratega Zhuge Liang e del vicerè Zhou Yu.
Micidiali in guerra, ma che ad essa ricorrono solo per preservare i piaceri della vita, dell’amore, dell’arte e della natura dalla tirannia violenta dell’usurpatore Cao Cao; uomini che parlano per mezzo della musica o che leggono il futuro nelle nuvole, che combattono ma che pensano solo alla fine della guerra. Si vis pacem para bellum, ancora una volta.

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Ong-Bak – Nato Per Combattere [HQ]

admin — Wed, 13 Jan 2010 21:38:31 +0000

L’anima di Bruce Lee è stata risvegliata nuovamente (con tutto il rispetto) da un film tailandese, affollato di combattimenti dal primo minuto all’ultimo. Il nostro eroe questa volta è Tony Jaa, campione di Muay Thay, filosofia e arte marziale di antiche tradizioni.
Tony Jaa è Ting, orfano vissuto sotto l’ala protettiva di un monaco, maestro di tutti i segreti dell’arte della lotta, che lo avverte premurosamente di non utilizzarla mai perché è uno strumento di morte. Il furto della testa di una statua sacra (Ong-Bak, appunto) del paesino in cui vive il giovane, lo induce a recarsi a Bangkok per volontà degli abitanti del luogo in cui è nato, alla ricerca dell’oggetto divino. Il Racket, il giro delle scommesse clandestine, inseguimenti cittadini a piedi, innumerevoli duelli a mani nude e la consueta sfida finale, fanno il resto.
Costruito essenzialmente sul personaggio principale, Ong Bak fa il verso al cinema d’azione a stelle e strisce, e sfrutta un montaggio che enfatizza le performance di Tony Jaa, riprendendo i combattimenti, come nei migliori eventi sportivi, da punti di vista diversi, per fare rivivere allo spettatore i momenti più spettacolari.
L’inesistente sceneggiatura al limite dell’inverosimile, condita da dialoghi assurdi (chi è che chiederebbe a una persona schiacciata da un’immensa testa di pietra, “come stai?”…), non è sicuramente il punto di forza di Ong Bak, ma se siete appassionati di arti marziali, potreste anche apprezzarlo.

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